Sublime - Sublime [10th Anniversary Deluxe Edition]

Disco 1

• 01. Trenchtown Rock
• 02. Doin' Time (Original Mix)
• 03. Wrong Way
• 04. Paddle Out
• 05. What I Got
• 06. Pawn Shop
• 07. April 29th, 1992 (Miami)
• 08. Santeria
• 09. Seed
• 10. Jailhouse
• 11. Caress Me Down
• 12. The Ballad Of Johnny Butt
• 13. Under My Voodoo
• 14. Burritos
• 15. same in the end
• 16. Get ready
• 17. what i got (reprise)
• 18. garden grove

Disco 2

• 01. I Love My Dog
• 02. Superstar Punani
• 03. April 29th, 1992 (Miami) (Alternate Version)
• 04. Saw Red (Acoustic)
• 05. Little District (Acoustic)
• 06. Zimbabwe (Acoustic)
• 07. What I Got (Alternate Version)
• 08. Doin' Time (Uptown Dub)
• 09. Doin' Time (Eerie Splendor Remix)
• 10. Doin' Time (Wyclef Jean Remix)
• 11. Doin' Time (Marshall Arts Remix Feat. The Pharcyde)
• 12. Doin' Time (Marshall Arts Instrumental Version)
• 13. April 12th, 1992 (Instrumental Version)
• 14. Caress Me Down (Instrumental Version)
• 15. What I Got (Instrumental Version)

Password: rokanroll

What I Got (Alternate Version)

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In celebration of the 10th anniversary of the self-titled Sublime album and to pay tribute to Bradley Nowell’s original vision, the long-awaited, two disc Sublime Deluxe Edition is released. Anyone familiar with the explosion of alternative rock in the 1990s knows one of the greatest injustices of the period was that Sublime singersongwriter-guitarist Bradley Nowell did not live to see the release and massive success of Sublime. Before the final album was originally released, it was re-sequenced and the lyrics to the song Doin’ Time were edited due to sampling clearance restrictions. The 10th Anniversary Deluxe Edition features Bradley’s original vision & sequence on disc one, featuring Trenchtown Rock, the song that Bradley originally wanted to start the album with but was taken off entirely instead, and Bradley’s original vocals for the song Doin’ Time. Disc Two contains 15 bonus tracks with 8 unreleased tracks including instrumental versions.

Motörhead – Hammered

Hay bandas mediocres, malas, buenas, sublimes... y grupos que simplemente son básicos en la historia de esta música. Y para muchos seguidores del rock, entre los que sin dudarlo me incluyo, Motörhead pertenece al último grupo. Tras más de 25 años sin tregua azotando los escenarios de medio mundo y una veintena de discos a sus espaldas la banda del inimitable Lemmy Kilmister ha grabado a fuego el sello personal del grupo en miles de seguidores.

urgidos a mediados de los años 70, Motörhead, liderados por su frontman y bajita Lemmy Kilmister, fan de los Beatles, roadie de Jimi Hendrix y miembro de Hawkwind, fue uno de los nombres claves en el hard rock acelerado, iterativo y potente, una banda británica significativa dentro del heavy metal de los 80, que retomaba con amplificación sonora y sudoración escénica las constantes más básicas del rock’n’roll, ejecutadas con rapidez, redundancia abrasiva, destreza e indocilidad sónica. Lemmy, de nombre real Ian Fraiser Kilmister, nació el 24 de diciembre de 1945 en Stoke-On-Trent, Staffordshire (Inglaterra), hijo de un sacerdote que abandonó a su madre cuando el pequeño Ian solamente contaba con unos pocos meses de edad. Desde su adolescencia se sintió inclinado a la formación de un grupo de rock. El primer disco que compró en su vida fue el “Knee deep in blues” de Tommy Steele.En su juventud Lemmy admiraba a gente como Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley, The Who o The Beatles, banda a la que contempló con asiduidad en The Cavern. Paradójicamente, Lemmy siempre afirma que los Beatles son una de las grandes bandas de la historia por su diversidad, característica poco ajada en Motörhead, recayendo sus sonidos en la potencia de su instrumentación y en la agresividad de su característica vocalidad, vinculada a su pronunciada personalidad, una de las más carismáticas en el mundo del rock. A mediados de los años 60 comenzó a sentirse protagonista de la explosión musical del momento, formando parte de un buen número de conjuntos, como The Rockin’ Vicars, Sam Gopal u Opal Butterfly, grupos con los que llegó a publicar singles, entre ellos y con los Rockin’ Vicars, una versión de “Zing! Went the strings of my heart”, tema de Judy Garland que había versionado los Move.En la segunda mitad de la década, y por un período de ocho meses, también trabajó como roadie de Jimi Hendrix, mientras ensanchaba influencias con los procederes de otra de sus bandas favoritas, MC5.A comienzos de los años 70 Lemmy se integró en Hawkwind, ocupando el bajo en 1971 tras la marcha de Dave Anderson de la banda psico-progresiva de Dave Brock. Con Hawkwind, importante banda de space rock, Lemmy grabó, tocando bajo y guitarra, los LPs “Doremi Fasol Latido” (1972), “Space Ritual” (1973), “Hall of the mountain grill” (1973) y “Warrior of the edge of time” (1975). También fue vocalista de uno de los temas más exitosos del grupo, “Silver Machine” (número 3 en el Reino Unido). En 1974 también colaboró en el disco de Roger Calvert “Captain Lockheed and The Starfighters”.En 1991 aparece “1916” (1991), disco publicado en WTG/Sony que contiene un homenaje a los Ramones en “R.A.M.O.N.E.S.”, con un sonido cercano a la banda de Queens, y consigue una nominación a los premios Grammy. El mismo año giran con Judas Priest y Alice Cooper y al siguiente publican “March or Die” (1992), primer trabajo en el cual aparece en la batería Mikkey Dee. Tras este álbum y de manera sorprendente tras la buena acogida comercial y crítica de los LPs, el grupo es expulsado de WTG. Ellos responden con “Bastards” (1993), disco aparecido en su propio sello Motörhead. A mediados de la década Lemmy toca con las japonesas Shonen Knife y graba con Motörhead en el sello CMC buenos discos como “Sacrifice” (1995) u “Overnight Sensation” (1996). El disco en vivo “King Biscuit Flower Hour” (1997), que recupera un directo con Robertson a la guitarra, “Snake bite love” (1998), otro disco en vivo, “Everything louder than everyone else” (1999), y la compilación “Jailbait” (1999), cierran su discografía en los años 90. Posteriormente y siempre con sus conocidas e invariables pautas, Motorhëad publicaría discos potentes para el seguro disfrute en vivo pero formulistas a nivel compositivo dentro de los cánones de alborotador y vital rock’n’roll (como un Chuck Berry hipervitaminado y de voz exacerbada), del estilo de “We are Motörhead” (2000), con una estupenda versión de Sex Pistols, “God save the queen”, “Hammered” (2002) o “Inferno” (2004), álbum que incluye la colaboración de Steve Vai.

Track listing:

• 01. Walk A Crooked Mile
• 02. Down The Line
• 03. Brave New World
• 04. Voices From the War
• 05. Mine All Mine
• 06. Shut Your Mouth
• 07. Kill The World
• 08. Dr. Love
• 09. No Remorse
• 10. Red Raw
• 11. Serial Killer (Kilmister)

Limited Edition Bonus Tracks:

• 12. Shoot You In The Back (Recorded Live at Wacken Open Air 2001)
• 13. R.A.M.O.N.E.S. (Recorded Live at Wacken Open Air 2001)
• 14. The Game (Jim Johnston)

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MP#3@320Kbps 44Khz 2(stereo) 106.85MB

Motörhead's overwhelmingly loud and fast style of heavy metal was one of the most groundbreaking styles the genre had to offer in the late '70s. Though the group's leader, Lemmy Kilminster, had his roots in the hard-rocking space rock band Hawkwind, Motörhead didn't bother with his old group's progressive tendencies, choosing to amplify the heavy biker rock elements of Hawkwind with the speed of punk rock. Motörhead wasn't punk rock -- they formed before the Sex Pistols and they loved the hell-for-leather imagery of bikers too much to conform with the safety-pinned, ripped T-shirts of punk -- but they were the first metal band to harness that energy and, in the process, they created speed metal and thrash metal. Unlike many of their contemporaries, Motörhead continued performing into the next century.

Motörhead - Serial Killer

Neil Young & Crazy Horse Live - Rust Never Sleeps

Uno de los músicos más importantes, prolíficos e imprevisibles de la música de las últimas cuatro décadas, extraordinario tanto en su faceta más sensible y acústica como en su ferocidad eléctrica ilustrada por su hiriente y distorsionada sonoridad guitarrera; practicante ecléctico, por sus notas han transitado aspectos rock, pop, folk, country, soul, blues e incluso electrónicos. Su musicalidad junto a una lastimera y nasal factura vocal ha influenciado a nombres tan dispares como Pearl Jam, Teenage Fanclub, R.E.M., Jayhawks o Dinosaur Jr. Neil Young nació el 12 de noviembre de 1945 en Toronto (Canadá), hijo de dos periodistas (su padre era un popular cronista deportivo y amante de la música) el joven Neil creció bajo el influjo melómano familiar y aprendió a tocar la guitarra desde su temprana adolescencia. La armonía de su hogar se rompería cuando sus padres se divorciaron. Neil Young tenía 14 años al tiempo que se trasladaba con su madre a la población de Winnipeg. En el instituto de Winnipeg Neil iba siempre cargando con su guitarra; los estudios no le atraían lo más mínimo y en vez de concentrarse en los libros escolares tocaba en combos instrumentales como los Jades. Poco después formó un grupo propio; el conjunto se llamaba Neil Young & The Squires e interpretaban temas de los Beatles, los Shadows y de Elvis en las fiestas estudiantiles. Su fama, ayudados por el apoyo de su influyente madre, los condujo a firmar varios contratos que les permitieron actuar en varios locales de la zona. A mediados de década, Neil Young retornó a su ciudad natal, Toronto, para actuar en solitario como artista folk. Una noche conoció a Rick James y se unió a su banda de pop denominada The Mynah Birds, entre cuyos miembros estaba el bajista Bruce Palmer. Con los Mynah Birds, Neil se hizo muy popular en el circuito de la población canadiense, coincidiendo y conociendo a otros jóvenes músicos que se intentaban abrir camino en el mundo de la música como Joni Mitchell, Stephen Stills y Richie Furay. Problemas legales condujeron a la ruptura de los Mynah Birds y a la marcha de Neil y Bruce a la soleada costa californiana. En Los Angeles se encontraron en 1966 con sus amigos Furay y Stills y se embarcaron en un nuevo proyecto al que llamaron Buffalo Springfield. A las guitarras líder de Neil y Stills, la rítmica de Furay y el bajo de Palmer se les unió un cuarto componente, el batería Dewey Martin. En los sensacionales tres discos de Buffalo Springfield dejaron buena constancia de su influyente eclecticismo: pop, folk, country, rock, convirtiéndose en uno de los primeros grupos en practicar el folk-rock y el country-rock. Las composiciones se repartían primordialmente entre Neil y Stills, componiendo Young verdaderas joyas como "Burned", "Expecting to fly", "Flying on the ground is wrong", "Out of my mid" o "Broken Arrow". Los conflictos internos y las ansias de aventura en solitario provocaron la defunción de este gran grupo en 1968. Poco después, Neil debutó en Reprise con su primer trabajo en solitario, "Neil Young" (1969), una verdadera maravilla de predominio pop denostada por ciega necedad. Temas repletos de belleza como "The Loner", "I've been waiting for you", "Here we are in the years", "The old laughing lady" o "What did you do to my life?" no pueden ser menospreciados, sino todo lo contrario.

• 01 Introduction: Star Spangled Banner/A Day in the Life
• 02 Sugar Mountain
• 03 I Am a Child
• 04 Comes a Time
• 05 After the Gold Rush
• 06 Thrasher
• 07 My M, Hey Hey (Out of the Blue)
• 08 Stage Announcements
• 09 When You Dance I Can Really Love
• 10 The Loner
• 11 Welfare Mothers
• 12 The Needle and the Damage Done
• 13 Lotta Love
• 14 Sedan Delivery
• 15 Powderfinger
• 16 Cortez the Killer
• 17 Cinnamon Girl
• 18 Like a Hurricane
• 19 Hey Hey, My My (Into the Black)
• 20 End Credits
• 21 Tonight’s the Night

Password: HAVEDAT

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After Neil Young left the Californian folk-rock band Buffalo Springfield in 1968, he slowly established himself as one of the most influential and idiosyncratic singer/songwriters of his generation. Young's body of work ranks second only to Bob Dylan in terms of depth, and he was able to sustain his critical reputation, as well as record sales, for a longer period of time than Dylan, partially because of his willfully perverse work ethic. From the beginning of his solo career in the late '60s until the late '90s, he never stopped writing, recording, and performing; his official catalog only represented a portion of his work, since he kept countless tapes of unreleased songs in his vaults. Just as importantly, Young continually explored new musical territory, from rockabilly and the blues to electronic music. But these stylistic exercises only gained depth when compared to his two primary styles: gentle folk and country-rock, and crushingly loud electric guitar rock, which he frequently recorded with the Californian garage band Crazy Horse. Throughout his career, Young alternated between these two extremes, and both proved equally influential; there were just as many singer/songwriters as there were grunge and country-rock bands claiming to be influenced by Neil Young. Despite his enormous catalog and influence, Young continued to move forward, writing new songs and exploring new music. That restless spirit ensured that he was one of the few rock veterans as vital in his old age as he was in his youth. Born in Toronto, Canada, Neil Young moved to Winnipeg with his mother following her divorce from his sports-journalist father. Young began playing music in high school. Not only did he play in garage rock outfits like the Esquires, but he also played in local folk clubs and coffeehouses, where he eventually met Joni Mitchell and Stephen Stills. During the mid-'60s, he returned to Toronto, where he played as a solo folk act. By 1966, he joined the Mynah Birds, which also featured bassist Bruce Palmer and Rick James. The group recorded a couple of singles for Motown that were ignored. Frustrated by his lack of success, Young moved to Los Angeles in his Pontiac hearse, taking Palmer along as support. Shortly after they arrived in L.A., they happened to meet Stills, and they formed Buffalo Springfield, who quickly became one of the leaders of the Californian folk-rock scene. Despite the success of Buffalo Springfield, the group was plagued with tension, and Young quit the band several times before finally leaving to become a solo artist in May of 1968. Hiring Elliot Roberts as his manager, Young signed with Reprise Records and released his eponymous debut album in early 1969. By the time the album was released, he had begun playing with a local band called the Rockets, which featured guitarist Danny Whitten, bassist Billy Talbot, and drummer Ralph Molina. Young renamed the group Crazy Horse and had them support him on his second album, Everybody Knows This Is Nowhere, which was recorded in just two weeks. Featuring such Young staples as "Cinnamon Girl" and "Down by the River," the album went gold. Following the completion of the record, he began jamming with Crosby, Stills & Nash, eventually joining the group for their spring 1970 album, Déjà Vu. Although he was now part of Crosby, Stills & Nash, Young continued to record as a solo artist, releasing After the Gold Rush at the end of the year. After the Gold Rush, with its accompanying single "Only Love Can Break Your Heart," established Young as a solo star, and fame only increased through his association with CSNY.

Neil Young & Crazy Horse - Hey Hey, My My (Into The Black)

R.L. Burnside & Johnny Woods - Swingmaster 1984

North Mississippi guitarist R.L. Burnside was one of the paragons of state-of-the-art Delta juke joint blues. The guitarist, singer and songwriter was born November 23, 1926 in Oxford, MS, and made his home in Holly Springs, in the hill country above the Delta. He lived most of his life in the Mississippi hill country, which, unlike the Delta region, consists mainly of a lot of small farms. He learned his music from his neighbor, Fred McDowell, and the highly rhythmic style that Burnside plays is evident in McDowell's recording as well. Despite the otherworldly country-blues sounds put down by Burnside and his family band, known as the Sound Machine, his other influences are surprisingly contemporary: Muddy Waters, John Lee Hooker and Lightnin' Hopkins. But Burnside's music is pure country Delta juke joint blues, heavily rhythm-oriented and played with a slide. It wasn't until the 1990's that he began hitting full stride with tours and his music, thanks largely to the efforts of Fat Possum Records. The label has issued recordings made by a group of Burnside's peers, including Junior Kimbrough, Dave Thompson and others. Up until the mid-'80s, Burnside was primarily a farmer and fisherman. After getting some attention in the late '60s via folklorists David Evans and George Mitchell (Mitchell recorded him for the Arhoolie label), he recorded for the Vogue, Swingmaster and Highwater record labels. Although he had done short tours, it wasn't until the late '80s that he was invited to perform at several European blues festivals. In 1992, he was featured alongside his friend Junior Kimbrough (whose Holly Spings juke joint Burnside lives next to), in a documentary film, Deep Blues. His debut recording, Bad Luck City, was released that same year on Fat Possum Records. Burnside has a second record out on the Oxford-based Fat Possum label, Too Bad Jim (1994). These recordings showcase the raw, barebones electric guitar stylings of Burnside, and on both recordings he's accompanied by a small band, which includes his son Dwayne on bass and son-in-law Calvin Jackson on drums, as well as guitarist Kenny Brown. Both recordings also adequately capture the feeling of what it must be like to be in Junior Kimbrough's juke joint, where both men played this kind of raw, unadulterated blues for over 30 years. This is the kind of downhome, backporch blues played today as it has been for many decades. In 1996, Burnside teamed with indie-rocker Jon Spencer to cut A Ass Pocket O' Whiskey for the hip Matador label; he returned to Fat Possum in 1998 for the more conventional Come on In. As Burnside had been recording intermittently since the late '60s a spate of re-issues and live recordings began to appear in the 2000's. Chief among them were Mississippi Hill Country Blues, largely recorded in the Netherlands in the 1980s; First Recordings, which gathered 14 of George Mitchell's 1967 field recordings of Burnside in Coldwater, MS; a live set documenting a west coast tour Burnside on Burnside appeared in 2001. His next studio album Wish I Was in Heaven Sitting Down appeared in 2000 but it would be another 4 years before the next new R.L. Burnside recording Bothered Mind was released. That same year Burnside suffered a heart attack and underwent bypass surgery. He never fully recovered from the attack and in 2005, at the age of 79, R.L. Burnside passed away in a Memphis, TN hospital.

Videotrack:

• R.L. Burnside - Telephone Blues
• R.L. Burnside - Suzanna
• R.L. Burnside - Jumper Hanging On The Line
• R.L. Burnside - Just Like A Woman
• R.L. Burnside - Long Haired Doney
• R.L. Burnside - Poor Black Mattie
• R.L. Burnside - Poor Boy Long Ways From Home
• R.L. Burnside - When My First Wife Left Me

Password: rokanroll

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R.L. Burnside - Let My Baby Ride

Sublime - Everything Under The Sun (BOX SET 2006)

Sublime banda de ska / punk / reggae formada en 1988 en Long Beach, California (EEUU), compuesta por Brad Nowell (voz y guitarra), Eric Wilson (bajo) y Bud Gaugh (batería). Alcanzaron fama con su tercer disco autotitulado ("Sublime"), pero dos meses antes de su lanzamiento, Brad Nowell murió de una sobredosis de heroína y la banda se separó.

Track List: Disco 1/3

• 01. Roots Of Creation (Demo) 4:25
• 02. Ebin (O.G.) (Demo) 4:12
• 03. Ball And Chain (Demo) 3:41
• 04. Date Rape Stylee (Demo) 4:07
• 05. Perfect World (Live In Studio) 2:27
• 06. Johnny Too Bad Freestyle (Live In Studio) 4:57
• 07. Smoke Two Joints (Live In Studio) 4:18
• 08. I'm Not A Loser (Live In Studio) 1:21
• 09. 91 Freestyle (Live) 3:34
• 10. KXLU Interview (Live On-Air) 0:56
• 11. DJ's (Nowell) 4:22
• 12. Shame On Dem Game (Feat. HR) 6:26 (Live)
• 13. Get Out! (Acoustic) 1:27
• 14. Angelo (4-Track) 1:28
• 15. Mic Control (4-Track) 1:29
• 16. Farther I Go (Studio) 1:40
• 17. One Cup Of Coffee / Judge Not 2:07 (Studio)
• 18. Lou Makes Friends (Live In Studio) 2:32
  
• 19. Greatest Hits (Live In Studio) 3:34
• 20. Voodoo (Part 2) (Original Demo) 2:42

Track List: Disco 2/3

• 01. Youth Are Getting Restless (Live On KUCI Radio) 1:34
• 02. Scarlet Begonias (Live On KUCI Radio) 4:06
• 03. Right Back (Live) 2:54
• 04. New Thrash (Live) 1:08
• 05. Jailhouse (Live) 3:07
• 06. Pawn Dub (Live) 2:50
• 07. STP (Live) 3:08
• 08. Badfish (Live) 2:56
• 09. House Of Suffering (Live) 2:09
• 10. We're Only Gonna Die (Live) 3:20
• 11. Great Stone (Live) 4:05
• 12. WBCN Interview 1 (Live On Radio) 1:15
• 13. Saw Red (Live On Radio) 1:40
• 14. WBCN Interview 2 / Minor Threat (Live On Radio) 2:48
• 15. Legalize It (Dave Aron Mix) (Alternate Mix) 4:19
• 16. 5446 (Live) 2:21
• 17. All You Need (Ashworth Mix) (Live) 2:47
• 18. Foreman Freestyle (Live In Studio) 4:16
• 19. Prophet (Demo) 1:58
• 20. Miami (Original Demo) 1:53

Track List: Disco 3/3

• 01. Marley Medley (Studio Outtake) 2:16
• 02. Paddle Out (Ruff Mix) (Alternate Mix) 1:17
• 03. Caress Me Dub (Outtake) 3:30
• 04. Foolish Fool (Unreleased Demo) 3:47
• 05. Westwood One Interview (Live On Radio) 14:07
• 06. 89 Vision (Unreleased Studio) 2:22
• 07. Sweet Little Rosie (Studio Outtake) 4:08
• 08. Garden Grove (Take 2) (Original Demo) 2:20
• 09. Just Another Day (Studio Outtake) 1:10
• 10. Prince Of Sin (Studio Outtake) 1:40
• 11. I Love My Dog Dub (Studio Outtake) 4:10
• 12. At It Again (Nowell) 4:23
• 13. Wrong Way (Acoustic) 2:18
• 14. New Realization (Acoustic) 2:42
• 15. Boss D.J. (Alternate Version) 2:39
• 16. Real Situation (Acoustic) 1:42
• 17. Date Rape (Live) 3:42
• 18. Soundcheck Jam (Live) 2:10
• 19. Doin' Time (Snoop Time Remix) (Snoop Dogg Remix) 4:38
• 20. Doin' Time (Tricked Out Life Sentence Remix) (DJ Spooky Remix) 5:50
  

Wrong Way
Santeria

Parte 1
Parte 2
Parte 3

Formed in Long Beach, CA, in 1988 as a garage punk band, Sublime grew to fame in the mid-'90s on the back of the Cali punk explosion engendered by Green Day and the Offspring, though Sublime mixed up their punk rage with reggae and ska influences. The band released just two albums during its first seven years, finally finding a hit with its self-titled third one. It was Sublime's last, however, as lead singer Brad Nowell died in May 1996, just two months before the album's release. The trio which comprised Sublime -- vocalist/guitarist Nowell, bassist Eric Wilson, and drummer Bud Gaugh -- played their first gig on the 4th of July 1988 at a small Long Beach club (a show that sparked the infamous Peninsula Riot). The group began aggressively touring around the area with an increasingly substantial following, especially among the surf/skate beach crowd. After four years of concentrating strictly on live shows, Sublime's first album (40 Oz. to Freedom) was recorded in 1992. The LP was released on Skunk Records -- the label formed by Nowell with Sublime manager Miguel -- and sold at shows, but it really started to break when KROQ began playing the single "Date Rape" two years after its initial release. Mostly due to the radio exposure, Sublime signed to MCA for 1994's Robbin' the Hood, which revealed an experimental ethic more in keeping with cut-and-paste dub than the well-tuned rage of the Cali punk revival. The album performed well at college radio and set the stage for the breakout success of their self-titled third album. On May 25, 1996, however, Nowell was found in a San Francisco hotel room, dead of a heroin overdose. The band collapsed, but Sublime was still slated for a July release. On the strength of the alternative radio hit "What I Got," the album was certified gold by the end of 1996. As Sublime's legend lived on, Wilson and Gaugh formed a new band called Long Beach Dub Allstars. There were also a number of posthumous Sublime releases, among them 1997's Second Hand Smoke, 1998's Stand by Your Van and Acoustic: Bradley Nowell & Friends, Greatest Hits in 1999, and Gold in 2005.

Sublime - What I Got.



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Bob Marley - Buffalo Soldier

Robert Nesta Marley, nacido el 6 de febrero de 1945, en Nine Mile, una pequeña localidad al norte de Jamaica, no podía imaginar que llegaría a convertirse en uno de los mitos musicales de este siglo.Cedella Booker, una mujer africana afincada en Jamaica, de 18 años y de Norval Marley, un capitán del ejército británico, que se desentendió de su hijo. A finales de los años cincuenta, Robert se trasladó con su madre a Kingston, la capital. Era la ciudad donde los habitantes de las zonas rurales acudían en para mejorar su situación económica.Como la mayoría de las familias rurales, su destino fue los barrios pobres y míseros. Gran influencia tuvo en la vida de Bob Marley la religión Rastafarí, mezcla de profecías bíblicas, filosofía naturista y nacionalismo negro. En 1930 Ras Tafari Makkonen fue coronado emperador de Etiopía, pasando a llamarse Hailè Selassiè. Según una vieja profecía, este rey libertaríMa a la raza negra del dominio blanco. Muchos jamaicanos, creyentes en la profecía, lo eligieron como el representante de su nueva religión. Fue en este ambiente donde Robert conoció a Neville O'Riley Livingstone (Bunny) y a Peter McIntosh. Juntos comenzaron a tocar, influenciados por la música de Ray Charles, Fats Domino, Brook Benton o Curtis Mayfield. En 1963 forman un grupo, 'Wailing Wailers', lanzando un primer single que alcanzaría el primer puesto en las listas jamaicanas. Marley se convirtió en uno de los primeros en escribir canciones sobre los jóvenes delincuentes del ghetto de Kigston. En 1966, Bob Marley se casó con Rita Anderson, y se marchó a vivir con su madre unos meses. Esta estaba viviendo en Estados Unidos, con su nuevo esposo. A su vuelta a la isla, la creencia en la religión Rastafarí creció, reflejándose en sus canciones. Con sus amigos Bunny y Peter, crean un nuevo grupo, 'The Wailers'. Debido a la 'espiritualidad' que emanaba de sus canciones, tuvieron problemas para encontrar representantes, lo que les resta gran parte del éxito que esperaban. A principios de los setenta, se alían con Lee Perry, un productor que revoluciona su trabajo, dando como resultado algunas de sus mejores obras, como 'Soul Rebel', 'Small Axe', '400 Years', etc. En 1972, el grupo edita su primer álbum, 'Catch a Fire', que tuvo gran éxito, lo que llevó a la casa discográfica a realizar una gira por Inglaterra y Estados Unidos. En 1973 salió a la luz su nuevo disco, 'Burnin', con nuevas versiones de sus viejos temas. En 1975 Bunny y Peter dejan el grupo para dedicarse a su carrera en solitario. Les sustituyen en el grupo la mujer de Bob, Marcia Griffiths y Judy Mowatt.

Buffalo Soldier

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Reggae's most transcendent and iconic figure, Bob Marley was the first Jamaican artist to achieve international superstardom, in the process introducing the music of his native island nation to the far-flung corners of the globe. Marley's music gave voice to the day-to-day struggles of the Jamaican experience, vividly capturing not only the plight of the country's impoverished and oppressed but also the devout spirituality that remains their source of strength. His songs of faith, devotion, and revolution created a legacy that continues to live on not only through the music of his extended family but also through generations of artists the world over touched by his genius.Robert Nesta Marley was born February 6, 1945, in rural St. Ann's Parish, Jamaica; the son of a middle-aged white father and teenaged black mother, he left home at 14 to pursue a music career in Kingston, becoming a pupil of local singer and devout Rastafarian Joe Higgs. He cut his first single, "Judge Not," in 1962 for Leslie Kong, severing ties with the famed producer soon after over a monetary dispute. In 1963 Marley teamed with fellow singers Peter Tosh, Bunny Livingston, Junior Braithwaite, Beverly Kelso, and Cherry Smith to form the vocal group the Teenagers; later rechristened the Wailing Rudeboys and later simply the Wailers, they signed on with producer Coxsone Dodd's legendary Studio One and recorded their debut, "I'm Still Waiting." When Braithwaite and Smith exited the Wailers, Marley assumed lead vocal duties, and in early 1964 the group's follow-up, "Simmer Down," topped the Jamaican charts. A series of singles including "Let Him Go (Rude Boy Get Gail)," "Dancing Shoes," "Jerk in Time," "Who Feels It Knows It," and "What Am I to Do" followed, and in all, the Wailers recorded some 70 tracks for Dodd before disbanding in 1966. On February 10 of that year, Marley married Rita Anderson, a singer in the group the Soulettes; she later enjoyed success as a member of the vocal trio the I-Threes. Marley then spent the better part of the year working in a factory in Newark, DE, the home of his mother since 1963.

The Hellacopters - Hopeless Case

A diferencia de la mayoría de las bandas de rock actuales, que luchan sin objeto por ser originales (una palabra que raramente significa brillante), o simplemente intentan copiar las tendencias de moda (lo que normalmente significa insulso), The Hellacopters son una banda con sentido de la identidad además de una idea muy clara de su lugar en los 60 años de historia de la música grabada. Dentro de esta historia existe una gran tradición de melodías intemporales, autenticas, que salen directas de los corazones de hombres y mujeres que trabajan muy duro, y es en esta tradición en la que mejor se encuadran los Copters de Estocolmo.

Hopeless Case

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What the MC5 and Stooges were to the '60s, what Sonic's Rendezvous Band and Radio Birdman were to the '70s, and what the Celibate Rifles were to the '80s -- that's what Sweden's Hellacopters were to the '90s. Young, strapping, and rocking out to almost cartoon-like proportions, the Hellacopters have made quite a name for themselves in Europe and Australia. And a deal with Sub Pop had them targeting the States. The rock -- fast, extremely hard, and loud beyond reason -- has gotten the band noticed by several of their seminal influences, such as Scott Morgan, who has performed with them many times as well as collaborated on a single for the aforementioned Sub Pop label, and also the Dictators, with whom they have done several European tours.

WinAmp 5.3.2 Full

Winamp es un reproductor de audio y vídeo muy práctico, funcional y con un vistoso aspecto. Winamp, el famoso e histórico reproductor de Nullsoft, es ahora capaz de reproducir con soltura prácticamente todos los formatos de audio y vídeo, lógicamente, siempre y cuando dispongas del codec instalado. La compatibilidad, la gran cantidad de extensiones y skins disponibles, la versatilidad y el resto de cualidades de Winamp le convierten en un firme candidato a convertirse en tu reproductor favorito.

• Winamp 5 soporta los siguientes formatos:
AAC, it, mod, nst, stm, AIF, itz, MP1, NSV, stz, AIFF, KAR, MP2, OGG, ult, amf, M2V, MP3, okt, VLB, APL, m3u, mp3, pls, VOC, ASF, M4A, MP4, ptm, WAV, AU, mdz, MPEG, RMI, WMA, AVI, MID, MPG, s3m, WMV, CDA, MIDI, mtm, s3z, xm, far, MIZ, NSA, SND, xmz, 669


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Medicina para el Soft.

Nullsoft Winamp is a fast, flexible, high-fidelity music player for Windows. Winamp supports MP3, CD, Audiosoft, Audio Explosion, MOD, WAV and other audio formats, custom appearances called skins, plus audio visualization and audio effect plug-ins.

Latest Changes:

* New: [ml_local] new filters for three pane view (album artist, genre, publisher)
* New: [ml_local] option to rescan metadata for selected files
* New: [ml_transcode] Transcoding tool. Convert your files from one format to another
* New: [pmp_activesync] Support for Windows Mobile devices
* Improved: send-to in songticker right-click menu
* Improved: [ml_local] album artist, disc, replaygain, composer, full path columns
* Improved: [ml_local] localized dates
* Improved: [ml_local] folder browsing dialog
* Improved: [ml_rg] lower thread priority to prevent system slowdowns
* Fixed: classic skin playlist time drawing glitch
* Fixed: slow load-time with playlist of network share files
* Fixed: CD burning with Windows 98/ME
* Fixed: flickering with non-overlay video display
* Fixed: [gen_ml] treeview icons on Windows 98/ME
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No Doubt - Don't Speak

Con el retorno del punk a mediados de los noventa llegó también la ocasión de retomar otros sonidos como el ska o el new wave, y precisamente ahí es donde podríamos enmarcar el estilo de los californianos No Doubt.Con el retorno del punk a mediados de los noventa llegó también la ocasión de retomar otros sonidos como el ska o el new wave, y precisamente ahí es donde podríamos enmarcar el estilo de los californianos No Doubt.Un estilo salvaje el de este grupo originario de Orange County, que mezcla ska, punk, hip-hop, reggae y power pop. Sus influencias irían desde Prince, Kiss, Judas Priest, Black Sabbath o Jimi Hendrix, hasta Steely Dan, Journey, o el punk y el Ska de Madness. Precisamente cuando la banda dió sus primeros pasos en 1987 lo hizo inspirada en el sonido de los británicos Madness. Por aquel entonces el combo estaba compuesto por John Spence, Gwen Stefani, y su hermano Eric Stefani. Enseguida se incorporó el bajista de origen hindú, aunque criado en Gran Bretaña, Tony Kanal. Una primera prueba para la banda fue el suicidio a finales de aquel año de Spence. Una vez superado, y con Gwen como única voz de la banda, llegaron al grupo el batería Adrian Young y el guitarrista Tom Dumont.

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With the return of the punks in the mid-'90s came a resurgence of their slightly more commercial rivals, new wave bands. No Doubt found a niche as a new wave/ska band, on the strength of vocalist Gwen Stefani's persona -- alternately an embrace of little-girl-lost innocence and riot grrrl feminism -- exemplified on the band's breakout single, "Just a Girl." Formed in early 1987 as a ska band inspired by Madness, the lineup of No Doubt initially comprised John Spence, Gwen Stefani, and her brother Eric. While playing the party-band circuit around Anaheim, the trio picked up bassist Tony Kanal, born in India but raised in Great Britain and the U.S. Hardened by the suicide of Spence in December 1987, No Doubt nevertheless continued; Gwen became the lone vocalist and the group added guitarist Tom Dumont and drummer Adrian Young. No Doubt's live act began to attract regional interest, and Interscope Records signed them in 1991. The band's debut a year later, an odd fusion of '80s pop and ska, sank without a trace in the wake of the grunge movement. As a result, Interscope refused to support No Doubt's tour or further recordings. The band responded by recording on their own during 1993-1994; the result was the self-released Beacon Street Collection, much rawer and more punk-inspired than the debut. Eric Stefani left just after its release, later working as an animator for The Simpsons. By late 1994, Interscope allowed recordings to resume, and Tragic Kingdom was released in October 1995. The album served as a document of the breakup of Gwen Stefani and Kanal, whose relationship had lasted seven years. Thanks to constant touring and the appearance of "Just a Girl" and "Spiderwebs" on MTV's Buzz Bin, the album hit the Top Ten in 1996. Stefani, who has made no secret of her pop ambitions, became a centerpiece of attention as an alternative to the crop of tough girls prevalent on the charts. By the end of the year, Tragic Kingdom hit number one on the album charts, almost a year after its first release; the record's third single, the ballad "Don't Speak," was the band's biggest hit to date. No Doubt's much-anticipated follow-up, The Return of Saturn, was released in the spring of 2000, and "Simple Kind of Life" and "Ex-Girlfriend" were both critically successful at the mainstream and college levels. A year later, Stefani also hooked up with rap chanteuse Eve for the single "Let Me Blow Your Mind" (it went on to earn a Grammy for Best Rap/Sung Collaboration in 2002); however, Stefani also joined her band for the release of their fifth album. The ska revival and new wave sounds of Rock Steady were issued hot on the heels of debut single "Hey Baby" in December 2001.

The Rolling Stones - Exile on Main St.

Los Stones encumbrados en lo más alto y atravesando por una de sus etapas de mayor profusión creativa publican este magistral trabajo, una jubilosa amalgama de rock, country (profundizando en este estilo gracias a la amistad de Keith Richards con Gram Parsons), blues y gospel, que proporciona sublimes instantáneas sónicas apoyadas por la descarnada producción de Jimmy Miller y que, como suele pasar con muchos discos trascendentes, se aborrecen en la primera escucha y se aman al límite en sucesivas escuchas, convirtiéndose en el favorito del grupo y en el más influyente de su carrera. Vibrantes, densas y desaseadas piezas de rock’n’roll enraizadas en los sonidos tradicionales americanos como la soberbia Rocks off", "Rip this joint", el single "Tumbling dice", "Sweet Virginia" (memorable armónica de Jagger y colaboración no acreditada del mismísimo Parsons), la acústica "Sweet Black Angel" (con el productor Jimmy Miller a la percusión), una retozona pieza cantada por Keith Richards llamada "Happy", la extraordinaria balada "Let it loose" (con un notable acompañamiento vocal), "Ventilator blues", "All down the line", el regusto blues de "Stop breaking down" o la espléndida "Shine a light", dejan constancia de la gran versatilidad y estatura como compositores y músicos de los Rolling Stones, destacando el memorable duelo guitarrero entre Keith Richards y Mick Taylor. El quinteto se encuentra acompañado por nombres esenciales en sus formas sonoras como sus habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins, Bobby Keyes, Billy Preston o Jim Price, quienes en jubilosa sinergia con los protagonistas principales crean una imperecedera e imprescindible obra maestra, uno de las cúspides de la historia del rock.

• 01. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Rocks Off
• 02. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Rip This Joint
• 03. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Shake Your Hips
• 04. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Casino Boogie
• 05. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Tumbling Dice
• 06. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Sweet Virginia
• 07. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Torn And Frayed
• 08. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Sweet Black Angel
• 09. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Loving Cup
• 10. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Happy
• 11. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Turd On The Run
• 12. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Ventilator Blues
• 13. The Rolling Stones - Exile On Main Street - I Just Want To See His Face
• 14. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Let It Loose
• 15. The Rolling Stones - Exile On Main Street - All Down The Line
• 16. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Stop Breaking Down
• 17. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Shine A Light
• 18. The Rolling Stones - Exile On Main Street - Soul Survivor

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Stop Breaking Down

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Greeted with decidedly mixed reviews upon its original release, Exile on Main St. has become generally regarded as the Rolling Stones' finest album. Part of the reason why the record was initially greeted with hesitant reviews is that it takes a while to assimilate. A sprawling, weary double album encompassing rock & roll, blues, soul, and country, Exile doesn't try anything new on the surface, but the substance is new. Taking the bleakness that underpinned Let It Bleed and Sticky Fingers to an extreme, Exile is a weary record, and not just lyrically. Jagger's vocals are buried in the mix, and the music is a series of dark, dense jams, with Keith Richards and Mick Taylor spinning off incredible riffs and solos. And the songs continue the breakthroughs of their three previous albums. No longer does their country sound forced or kitschy -- it's lived-in and complex, just like the group's forays into soul and gospel. While the songs, including the masterpieces "Rocks Off," "Tumbling Dice," "Torn and Frayed," "Happy," "Let It Loose," and "Shine a Light," are all terrific, they blend together, with only certain lyrics and guitar lines emerging from the murk. It's the kind of record that's gripping on the very first listen, but each subsequent listen reveals something new. Few other albums, let alone double albums, have been so rich and masterful as Exile on Main St., and it stands not only as one of the Stones' best records, but sets a remarkably high standard for all of hard rock.

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Indio Universo - Un Viaje A La Tierra De Los Sonidos

INDIO UNIVERSO es un grupo de músicos y artistas que han desarrollado espectáculos basados en instrumentos étnicos, folklóricos y urbanos del territorio americano, fusionando ritmos, tonadas folklóricas e influencias de las distintas vertientes de la música a nivel mundial. World Root o World Music son los nombres que recibe este arte en el mundo. Indio Universo y sus espectáculos para todas las edades, se presentan en festivales, teatros, escuelas y diversos eventos. Indio Universo nace en 1992 como un dúo musical de estilo y raíz indígena, rescatando los sonidos de antiguos instrumentos musicales, cantos y danzas, fusionándolos con ritmos populares e instrumentos urbanos. A través de estos años fueron sumándose integrantes de acuerdo a las diferentes propuestas que surgieron como resultado de la búsqueda personal e investigación musical.Como consecuencia de esta investigación y experiencia artística, Indio Universo comienza a incursionar también dentro de la comunidad educativa, notando el desconocimiento acerca de la música autóctona y los instrumentos musicales de los pueblos originarios de nuestro país, por parte de la mayoría de los niños y docentes. Así nace el proyecto de llevar a las escuelas la propuesta de espectáculos musicales didácticos, logrando una respuesta positiva acompañada de muchas satisfacciones. A través de los años el grupo obtiene destacados reconocimientos y la oportunidad de actuar en diversos escenarios no solo en nuestro país , sino también en el extranjero.

• 01. Canto de alegria del pueblo Qom
• 02. Canto y danza Wichi
• 03. Canto Sel'knam
• 04. Cancion de cuna Mapuche
• 05. Sonidos del pueblo Mapuche / Kahuel
• 06. Tarkeada
• 07. Canten, canten
• 08. Sikuriada
• 09. Me voy pal'mollar
• 10. Mi burrito
• 11. El Humahuaqueño
• 12. La arenosa
• 13. May man 'rin panki
• 14. El pintao
• 15. Agitando pañuelos
• 16. De fiesta en fiesta
• 17. La Sapachera
• 18. Soy de Arbolito
• 19. Llegada

Mai Manr'y Panky

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Un spot Chileno que me parecio interesante.

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INDIO UNIVERSO is a group of musicians and artists who have developed spectacles based on ethnic instruments, folkloric and urban of the American territory, fusing rates, tonadas folkloric and influences of the different slopes from music from world-wide level. World Root or World Music is the names that east art in the world receives. Universal Indian and his spectacles for all the ages, appear in festivales, theaters, schools and diverse events. Universal Indian is born in 1992 like a musical pair of style and indigenous root, rescuing the sounds of old musical instruments, songs and dances, fusing them with popular rates and urban instruments. Through these years they were being added integral according to the different proposals that arose like result from the personal search and investigation musical.Como consequence of this investigation and artistic experience, Indian Universe begins to also incursionar within the educative community, noticing ignorance about native music and the musical instruments of the original towns of our country, on the part of most of the educational children and. Thus the project is born to take to the schools the proposal of didactic musical spectacles, obtaining a positive answer accompanied by many satisfactions. Through the years the group obtains outstanding recognitions and the opportunity to act in diverse scenes nonsingle in our country, but also abroad.

Anibal Troilo - Tango de Coleccion

(1914 - 1975) Aníbal Carmelo Troilo nació el 11 de julio de 1914, en el barrio del Abasto, en Capital Federal, Argentina. Cuando tenía 8 años sufrió la muerte de su padre. Su vocación artística surgió cuando aún cursaba la escuela primaria. El mismo Troilo comentó alguna vez que “el fueye me atraía tanto como una pelota de fútbol. La vieja se hizo rogar un poco, pero al final me dio el gusto y tuve mi primer bandoneón: diez pesos por mes en catorce cuotas. Y desde entonces nunca me separé de él”. Su familia lo apodó Pichuco, sobrenombre con el que comenzó a ser conocido en el ambiente. En 1926, a la temprana edad de 12 años, tocó el bandoneón en un evento benéfico del Petit Colón, un cine del barrio del Abasto. A pedido del dueño del cine, pasó a integrar la orquesta estable del mismo. En 1930 se unió al conjunto Vardaro-Pugliese, que daba espectáculos en el Metropol de la calle Lavalle. La agrupación estaba integrada por Osvaldo Pugliese al piano, Alfredo Gobbi y Elvino Vardaro en violines, Miguel Jurado y Aníbal Troilo en bandoneones y Luis Adesso en contrabajo. En 1932 fue llamado por Julio De Caro, quien formó una gran orquesta que debuto en el cine Astor. La orquesta contaba con Pedro Laurenz, Armando y Alejandro Blasco, Aníbal Troilo y Calixto Sallago en bandoneones; Francisco De Caro y José Maria Rizzuti en pianos; Vicente Tagliacozzo, Julio De Caro, Samuel Reznik, José Niessov y Sammy Friedenthal en violines; Vicente y José Sciarreta en contrabajos y Antonio Rodríguez Lesende como cantante. En 1933, Troilo participó en la película Los tres berretines, en un trío con José Maria Rizzutti en piano y Vicente Tagliacozzo ejecutando el violín. Su asenso fue meteórico. El poeta Julián Centeya lo bautizó como -El Bandoneón Mayor de Buenos Aires-. Troilo fue autor de 60 excelentes Tangos. Los músicos que lo acompañaron en su carrera musical han elogiado cada aspecto de su persona. Su talento fue sorprendente, por lo precoz y la grandeza de su aporte al género. Los entendidos, afirman que su grandeza radica en que su pasión era tal, que eso mismo lo elevaba. Troilo cerraba sus ojos cuando tocaba pero no pudo explicar el motivo. En ocasiones dijo que lo hacía porque se sentía dentro de sí mismo. Tras la muerte de Homero Manzi, una noche interrumpió un juego de Bacarat se aisló en una habitación para componer en un rato su obra Responso, un lamento que está catalogado como uno de los tangos más brillantes de todas las épocas. Lo grabó pero luego se negaba a tocarlo. Lo ha hecho a pedido del público, pero se sabe que sufría cuando lo hacía. Troilo fue un melodista extraordinario, talentoso para la composición como lo demuestra en obras de su autoría para letras de Homero Manzi (Barrio de tango, Sur, Discepolín, Che Bandoneón). Troilo tuvo en su orquesta al innovador del tango, cuando joven, Ástor Piazzolla, a quien difirió con el orgullo de designarlo su arreglador. Troilo Siempre recordaba a Piazzola: “la gente quiere bailar, no perdamos el baile, porque si perdemos la milonga, sonamos”. Sus formaciones orquestales contaron con cantantes de renombre como Edmundo Rivero, Roberto Goyeneche y Elba Berón. El Bandoneón Mayor de Buenos Aires murió el 19 de mayo de 1975 en el Hospital Italiano, a causa de un derrame cerebral y sucesivos paros cardíacos.

Tango | MP3 192Kbps | 51.5 MB

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Tango pioneer Anibal Troilo was born in 1914, cutting his teeth playing bandoneón behind Ciriaco Ortiz, Julio De Caro, Angel D´Agostino and Enrique Santos Discépolo prior to founding his own orchestra in 1937. During the 1940s he ranked among the most influential figures in Argentinian music, famed for his oft-imitated "Troilo Sound" -- a rich, fluid approach to the tango which juxtaposed staccato and legato figures. A celebrated composer and arranger, Troilo was also a superb bandleader with a rare eye for talent -- the legendary Astor Piazzola, virtuoso bassist Kicho Diaz and singers Francisco Fiorentino, Alberto Marino, Floreal Ruiz and Roberto Goyeneche are just a handful of the notables who passed through his orchestra's ranks. During the 1950s Troilo also helped lay the groundwork for the emergence of the "nuevo tango" sound popularized by Piazzola, and he recorded regularly for labels including Odeon, T.K and Victor until his death in 1975. Let me mention something from Piazzolla biography: 'He plays on some second rate tango orchestras until 1939, when he realizes his dream of playing bandoneon within one of the greatest tango orchestras of that time; the Anibal Troilo orchestra. “Pichuco” was one of the best bandoneon players, and Astor always considered him one of his masters.' In fact, when Troilo died in 1975, Piazzolla composed the “Suite Troileana” in his memory.

John Lennon - Legend

Uno de los grandes iconos musicales de todos los tiempos. A su innegable genialidad como intérprete y compositor y una carismática personalidad se le une su notoria prominencia social y política, significada por los mensajes de paz, concordia y amor en una honesta, emocional, visceral e íntima proyección personal. John Winston Lennon nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool (Inglaterra), hijo de Julia Stanley y de Fred Lennon, un marinero que se pasaba largas temporadas en alta mar y que no vio a su retoño hasta cinco años después de su nacimiento, cuando éste ya vivía con su tía Mimi (Mary Smith) y su tío George en el 251 Menlove Ave de Woolton, tras ser requeridos para el cuidado del niño por Julia, quien, de naturaleza más libertina que su hermana, se sentía incapaz de criar a su hijo y más con la presencia de su nuevo acompañante, John Dykins. Cuando regresó a Liverpool, Fred llegó con la intención de marcharse con su retoño a Nueva Zelanda, hecho que fue impedido por Julia, quien devolvió la custodia a su hermana Mimi. Con una estricta educación por parte de sus tíos el pequeño John se manifestó como un muchacho rebelde prestando poca atención a los estudios y dedicándose principalmente al dibujo, habilidad que impulsó en un tiempo posterior a su tía Mimi a pedirle una carta de recomendación al director de la Quarry Bank Grammar School para que pudisese ingresar en la Liverpool Art College. A partir de mediados de los años 50 el joven John Lennon comenzó a escuchar música con ahínco, devorando skiffle y rock’n’roll y admirando a gente como Elvis Presley, Lonnie Donegan, Buddy Holly, Chuck Berry o Carl Perkins. La ilusión del adolescente de Liverpool era imitar a sus ídolos e intentar formar una banda. Tenía que conseguir una guitarra. Su tía Mimi le compraría una de segunda mano. Cuando su tío George, al que John estaba muy unido, falleció en 1955, Julia pasaba mucho más tiempo con su hijo. John, a pesar del distanciamiento, admiraba a su madre y su manera de ser, mucho más permisiva que su tía Mimi. Además le enseño a interpretar el viejo banjo del abuelo, aprendiendo a tocar el tema de Buddy Holly “That’ll be the day”. En esta feliz época de reconciliación entre madre e hijo sucedería un hecho trágico que desolaría a John. Su madre Julia fallecería en 1958 a causa de un atropellamiento realizado por un policía que conducía en estado de embriaguez. En 1955 Lennon formaría su primer grupo de skiffle, The Blackjacks. Tras una semana se cambiarían el nombre por el de The Quarrymen, apelativo derivado de la escuela Quarry Bank. Estaban compuestos por John Lennon, Bill Smith y Pete Shotton, su íntimo amigo de correrías juveniles. Más tarde pasó por la banda gente como Eric Griffiths, Nigel Whalley, Rod Davis, Colin Hanton, Eric Griffiths, Len Garry o Ivan Vaughan, quien presentó en julio de 1957 a John a un muchacho llamado Paul McCartney, un amante del rock’n’roll y consumado instrumentista que asombró a Lennon con su guitarra, añadiéndolo con celeridad a la formación. Poco después, McCartney le recomendaría a un joven guitarrista, George Harrison. Lo demás ya es historia… En septiembre de 1957 y en la Liverpool Art College, John conoció a Cynthia Powell, con quien contrajo matrimonio el 23 de agosto de 1962. En abril de 1963 nacería su hijo Julian. En la escuela de arte también conocería a Stuart Sutcliffe. Cynthya y John, quien ya había comenzando una relación con la japonesa Yoko Ono desde 1966, se divorciarían en el año 1968. El 20 de marzo de 1969 Yoko y John contraerían matrimonio en Gibraltar. Antes de romper los Beatles, John Lennon ya había comenzado una carrera en solitario que siempre contó con el respaldo de su segunda esposa. Juntos habían completado en 1968 el disco "Two Virgins" (1968), un trabajo puramente experimental que consiguió notoria fama por la portada en la que aparecían totalmente desnudos. Las convicciones pacifistas de John Lennon se arraigaron aún más con Yoko, no dudando la pareja en pasar su luna de miel de manera pública en una habitación del hotel Hilton en Ámsterdam (Holanda), acontecimientos que ellos denominaron "Bed-in for peace".Posteriormente, continuarían sus aventuras avant-garde con "Life with Lions" (1969). También en su afán pacifista grabaría el sencillo "Give Peace a chance" (número 2 en Inglaterra y 14 en los Estados Unidos) y devolvería su condecoración a la Reina para protestar por el conflicto de Biafra. Cuando terminó la luna de miel, Lennon apareció en la edición de 1969 del Festival de Toronto, Canadá, con una formación integrada por el guitarrista Eric Clapton, el bajista Klaus Voorman, el batería Alan White y la propia Yoko Ono, que grabarían el “Live Peace in Toronto” (1969).Esta asociación se bautizó con el nombre de Plastic Ono Band. Unos días más tarde se metería en el estudio y grabaría con la Plastic Ono Band el sencillo con temática sobre heroína "Cold Turkey" (número 14 y 30). Los Beatles estaban prácticamente por esa época finiquitados. Sería Paul McCartney, aprovechando para publicitar su primer disco como solista, el que anunciara públicamente la disolución de la banda el 11 de abril de 1970. Todo esto a pesar de que Lennon le había comunicado con anterioridad que él iba a dejar el grupo pero que aún no lo iba a comentar en público hasta que lo hicieran todos juntos. Por esta razón, Lennon, e incluso Harrison, tardarían en retomar la amistad con Macca. Anteriormente el propio John, quien ya trabajaba a su aire, había presentado el sencillo producido por Phil Spector "Instant Karma" (número 5 en el Reino Unido y 3 en el Billboard). El álbum debut en solitario del ex-Beatle sería el magistral "Plastic Ono Band" (1970), un Lp también producido por Spector, desabrido, vibrante, de gran carga emocional en el cual John desnudaba totalmente sus sentimientos. Temas como "Mother", "Isolation", "Love", "Working Class Hero" o "God" son canciones incluidas en este sensacional disco. El single "Power to the people" (número 7 en el Reino Unido y 11 en EEUU) fue su primer trabajo en 1971 antes de grabar su sencillo y disco más popular "Imagine" (1971) (número 1 en casi todo el mundo). De nuevo con Spector en el estudio el álbum contiene canciones como "Jealous Guy", "Gimme some truth" o "How do you sleep?", una pieza dedicada a Paul McCartney. A continuación presentaría el sencillo para las navidades "Happy Xmas (War is Over)", tema que llegó al puesto 4 en Inglaterra y al 3 en los Estados Unidos. Establecido en los Estados Unidos desde septiembre de 1971, Lennon, que jamás residiría en Inglaterra de manera permanente, se convirtió en un activista político izquierdista que aparecía muy frecuentemente al lado de Yoko Ono en manifestaciones antibelicistas y contactaba con radicales como Jerry Rubin. "Sometime in New York City" (1972), con "Woman is the nigger of the world", ejemplifica bien en su contenido estas tendencias. Este disco doble recibiría malas críticas y ventas menores que su anterior trabajo, alcanzando el número 11 en Inglaterra y 48 en los Estados Unidos. Además el Gobierno americano la tomó con el ex-Beatle y no cesó de acosarle continuamente para echarlo del país. Este acoso cesaría en 1975 tras una sentencia de apelación judicial que le concedió la famosa tarjeta verde. El notable "Mind Games" (1973) contenía temas importantes entre los que destacaba el single homónimo. Tras este album (número 13 en Gran Bretaña y 9 en el Billboard), Yoko y John, que había comenzado una relación con su secretaria May Pang, y decidieron separarse, hecho que aprovechó Lennon para trasladarse a Los Angeles y entrar dentro de una peligrosa espiral de alcohol y drogas al lado de personajes como Harry Nilsson (para quien produjo el album "Pussy Cats"), Keith Moon, David Bowie, Elton John y Ringo Starr. El llamado "Lost Weekend" duró un año y medio. Tras ese periodo, Lennon regresaría con Yoko Ono. Con uno de los participantes del famoso fin de semana, Elton John (con el que aparecería por última vez encima de un escenario en 1974 además de ser padrino de su hijo Sean) Lennon obtendría un número 1 en sencillo con la canción "Whatever gets you through the night". El Lp acompañante sería "Walls and Bridges" (1974), disco que contenía temas como el hipnótico "#9 Dream". El Lp también lograría auparse a lo más alto en los Estados Unidos, mientras que en Inglaterra llegó al número 6. Su siguiente trabajo sería un homenaje a la música que le influyó de pequeño. El disco, con co-producción de Phil Spector y titulado simplemente "Rock'n'roll" (1975), fue grabado en la época de Los Angeles y contenía su conocida versión de "Stand by me".Tras nacer su hijo Sean, Lennon se retiró un largo tiempo del mundo musical no sin antes haber compuesto a medias con Bowie y el guitarra Carlos Alomar el hit "Fame". Al albor de la nueva década, John Lennon regresó para grabar un muy buen disco al que llamó "Double Fantasy" (1980), un Lp producido por Jack Douglas que incluía magníficas canciones como "(Just Like) Starting Over", "Woman", "I'm losing you", "Watching the wheels" o "Dear Yoko". Cuando parecía que Lennon había recuperado de nuevo su inspiración melódica un descerebrado llamado Mark Chapman lo asesinó en la puerta de su apartamento neoyorkino el 8 de diciembre de 1980. El hombre había muerto y el mito había nacido.

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John Lennon - Imagine



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Out of all the Beatles, John Lennon had the most interesting -- and frustrating -- solo career. Lennon was capable of inspired, brutally honest confessional songwriting and melodic songcraft; he also had a tendency to rest on his laurels, churning out straight-ahead rock & roll without much care. But the extremes, both in his music and his life, were what made him fascinating. Where Paul McCartney was content to be a rock star, Lennon dabbled in everything from revolutionary politics to the television talk-show circuit during the early '70s. After releasing a pair of acclaimed albums, John Lennon/Plastic Ono Band and Imagine, in the early '70s, Lennon sunk into an infamous "lost weekend" where his musical output was decidedly uneven and his public behavior was often embarrassing.

The Tarantino Connection

• 01 - Interview - Interview
• 02 - Dick Dale & his Del-tones - Misirlou
• 03 - The Blasters - Dark Night
• 04 - George Baker Selection - Little Green Bag
• 05 - Charlie Sexton - Graceland
• 06 - Urge Overkill - Girl, You'll Be a Woman Soon
• 07 - Leonard Cohen - Waiting for the Miracle
• 08 - Burl Lives - A Little Bitty Tear
• 09 - Interview - Interview
• 10 - Stealers Wheel - Stuck in the Middle with You
• 11 - Chuck Berry - You Can Never Tell
• 12 - Robert Palmer - Love Is (The Tender Trap)
• 13 - Cowboy Junkies - Sweet Jane
• 14 - Dire Straits - Six Blade Knife
• 15 - The Mavericks - Foolish Heart
• 16 - Combustible Edison - Vertigogo

mp3/320kbps/88MB

Dick Dale & his Del-tones - Misirlou

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Ha conseguido ganarse a pulso su fama, gracias a geniales películas, que le ha llevado a ser influencia de muchos. Esto se puede ver por ejemplo, en el que es para mi el mejor capitulo de Los Simpsons: “22 cortometrajes sobre Springfield”. Pero no solo sus películas en si han obtenido fama, si no que también sus bandas sonoras. Estas son un cúmulo de grandes canciones y temas, entre los que cabria destacar el tema principal de Pulp Fiction de Urge Overkill:” Girl, You'll Be A Woman Soon”, o ese “Waiting For The Mircale”, de Leonard Cohen para Asesinos Natos. Todas estas canciones, mas o menos hasta 1997 que fue cuando salió (no están las de Kill Bill), salieron recopiladas en un CD: The Tarantino Connection. Ahí va el álbum

RL Burnside - Come On In

R.L. Burnside, una leyenda del blues, falleció en Estados Unidos a los 78 años, luego de estar largo tiempo internado en un hospital de Memphis, Tennesse. Nacido el 23 de noviembre de 1926 en Mississippi, se hizo popular con Goin' Down South, y los temas realizados con la Jon Spencer Blues Explosion y los Beastie Boys, como Bad Luck City, Too Bad Jim y Ass Pocket of Whiskey.

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The Prodigy - Firestarter

Todo empezó en viejas carreteras de Essex, en Londres. Fue ahí donde un joven DJ novicio en el mundo de las raves, conoció a Keith Flint y Leeroy Thornill, auténticos agitadores de esas emergentes fiestas underground. Años atrás, Liam estuvo metido de lleno en el Hip Hop, hasta que un buen día se dejo caer por el desaparecido club, y por aquel entonces llamado The Barn, donde quedo totalmente fascinado y enganchado a unos nuevos sonidos ácidos y electrónicos. Al cabo de poco tiempo de convertirse en un gurú de las raves de tan mítica época, se presentó en las oficinas de XL Recordings con una demo. Su primer single fue 'What Evil Lurks', poco antes de producir su primer éxito 'Charly', que aun hoy en día, junto a 'Out Of Space', siguen siendo unos himnos para toda una generación. En su primer directo conocieron Maxim Reality, un MC experimentado que encajó a la perfección. Su directo, contundente y violentamente incendiario, consigue fusionar con éxito absoluto la rebeldía punk con los sonidos más electrónicos, sin renunciar a latigazos de guitarras. The Prodigy se ha creado y ha nacido como un grupo de directo, eso ya dice mucho. Su dos primeros LP’s, 'The Experience' y 'Music for the Jilted Generation', les consagraron dentro de una escena rave viva y rebelde, que luchaba por su libertad, y vio en The Prodigy a su buque insignia. 'The Fat of the Land' fue su último LP, el que les lanzo al éxito mundial, con temas como 'Firestarter' o 'Smack My Bitch Up'. Desde entonces Liam Howlett, cerebro del grupo, ha dado mas prioridad a los directos que al hecho de encerrarse al estudio para acabar el nuevo y esperado álbum.

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