MAD - Pajarito On The Rock & El Postre

Formados en 1997 con un sonido de rock potente y aplastante comienzan a circular por diversos escenarios del under. A mediados de 1998 graban de manera independiente su primer disco titulado MAD, y cosechando críticas muy positivas consiguen difusión en medios radiales. Son invitados a participar de varios festivales organizados por la FM Rock and Pop y graban dos temas para un compilado de 4K Records. En el 2000, MAD es elegida para acompañar a Eric Singer, baterista de KISS, en su presentación para la Kiss Expo realizada en La Trastienda. En el mismo año, la compañía "Cerveza Quilmes", elije a MAD para tocar, dos veces en el mismo ciclo, como banda única, en el conocido "camion / estudio rodante", en Mar del Plata y una de las dos paradas de Capital Federal. El 13 de Enero del 2001 ya hacen delirar a miles en el Festival Monsters Of Rock, abriendo los shows de Iron Maiden, Rob Halford y Queens of the Stone Age en el Estadio de Velez. Comienzan a hacerse fuertes en el templo del rock, Cemento, realizando shows impecablemente producidos, consolidando a la banda como una de las más importantes del género. A mediados de ese año ingresan al estudio El Pie para registrar "En llamas", su segunda placa, producida por 4K Records / Sony Music, sello discográfico de la productora "4 Cabezas" de Mario Pergolini, de la cual se destaca en los medios el hit "Pajarito on the rock's" para el cual se realiza un videoclip que es ampliamente difundido en todo el pais. En 2004 se incorpora el guitarrista Nicolás Barreiro y graban su tercer disco producido por Adrián Taverna (Divididos, Attaque 77, Redonditos de Ricota, Soda Stereo, Riff, Gustavo Cerati, etc.); "Seguí la flecha" muestra una banda potente, directa, y afianzada. También de este trabajo, nacen varios hits radiales como "La rueda", "Imperdonable" y "El postre", tema para el cual se produce un videoclip con la participación infartante de Celina Rucci. En Diciembre del 2005 MAD se vistió de gala para su primer show eléctrico­acústico que contó con la participación de grandes músicos como Vitico y Black Amaya y se lo registró en Pro-Tools para editar en los próximos meses el esperado disco en vivo! En Enero de 2006, la banda, ofreció otro show energético y muy convocante en el Festival Cosquin Rock, en el Lago San Roque, Córdoba. En Abril, se re-incorpora el Vasco en la batería y se suma "el Gato" como voz líder.

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Formed in 1997 with a "sound of powerful and overwhelming rock" they began by playing in the local underground rock scene. They soon recorded their self-titled debut album 'MAD' which was released in 1998 and gained reasonable radio airplay having been well-received by the critcis. They were subsequently invited to play in several rock festivals organised by Rock and Pop FM and recorded two songs for a 4K Records CD compilation. In 2000 Mad was chosen by Eric Singer (former drummer of KISS) to support him for his KISS Exposition in Buenos Aires. In the same year they were chosen to play twice in Mar Del Plata city and also in Buenos Aires as the headlining act at a music festival organised by the national beer, Quilmes. In January 2001 Mad played to a crowd of 50,000 people in the Monsters Of Rock Festival opening for Iron Maiden, Rob Halford and Queens of the Stone Age at Vélez Sársfield football stadium. They also appeared in several shows at the club Cemento, widely regarded as the "temple of Argentine rock" having hosted many famous bands in Argentine rock history such as Redonditos de Ricota, Las Pelotas and A.N.I.M.A.L. The shows were excellantly produced and during this time Mad were very much the "band of the moment". In mid 2001 they entered the "El Pie" recording studio to record "En Llamas" (In Flames), their second album. Produced by 4K Records/Sony Music the first single "Pajarito On The Rocks" soon became a big hit, for which a video was made. In 2004 the guitarist Nicolas Barreiro jumped into the new lineup, and the band recorded its third album "Seguí La Flecha" (Follow The Arrow) produced by Adrián Taverna (Divididos, Attaque 77, Redonditos de Ricota, Soda Stereo, Riff, Gustavo Cerati). From this album, several radio hits were born, like "La Rueda", "Imperdonable" and "El Postre", a song for which another music video was made starring Playboy Playmate Celina Rucci.

Los Fabulosos Cadillacs - Matador

En un principio eran nueve y fue el ska. En 1986 Bares y Fondas marcó el inicio de una carrera musical que adquirió la solidez de años en poco tiempo. El disco hablaba de una experiencia real: de bar en bar y de fonda en fonda. Los Fabulosos Cadillacs consolidaron un proyecto musical con identidad propia. *Sílencío Hospital sorprendió por su creatividad Yo quiero morírme acá'; por su humor ácido. El primer disco de Los Fabulosos Cadillacs no tenía desperdicio. Tres funciones en el Teatro Astros con lleno total fueron la prueba de la contundencia de sus inicios. De los pubs apenas faltaba un salto para invadir discotecas, radios y revistas. Y . Los Fabulosos Cadillacs lo dieron en 1987. Yo te Avisé fue su segundo trabajo. En menos de un mes alcanzó la categoría de Disco de Oro. Al poco tiempo, Disco de Platino. La producción del album estuvo a cargo de Andrés Calamaro. A puro ska. . Los Fabulosos Cadillacs reunieron a 30 mil personas en el velódromo de la ciudad de Buenos Aries. Nunca antes ni después tanta gente volvió a llenar el lugar. El éxito continuaba. Giras, presentaciones en el interior del país, en Uruguay, Chile y Perú, y todas ellas a lleno total. A la gira latinoamericana le siguió la edición de Yo te Avísé Venezuela, México, Colombia, Bolivia, Paraguay y Chile. . Los Fabulosos Cadillacs habían logrado instalarse en el ojo de una tormenta que, desde entonces, no ha cesado. El territorio arrasado sería toda Latinoamérica. El disco llegaría a ser Oro y Platino en varios países. En 1988 llegó el tercer álbum del grupo, EI Ritmo Mundial. Conversación Nocturna y Revolución Rock, resultaron dos de los temas más difundidos. Con este trabajo el grupo haría el primer zig-zag en su estética. La voz mítica de Celia Cruz, invitada en el disco, se convirtió en un sintoma de las nuevas búsquedas. A base de quiebres y de inconsecuencias aparentes, . Los Fabulosos Cadillacs fundaron una identidad. 1989 fue el año de la cosecha. Se reencontraron en el Estadio Obras de Buenos Aires. Siguieron con las giras por el interior y en diciembre convocaron a 120 mil personas al aire libre, en el marco de los conciertos organizados por la Subsecretaría de la Juventud de la ciudad de Buenos Aires. Aprovecharon y regalaron a su público cuatro de los temas de El Satánico Dr Cadillac, su cuarto trabajo, que ese mismo día había sido distribuído en todas las disquerías. . Los Fabulosos Cadillacs volvían a hacer de las suyas. La participación del trompetista Hugo Lozano y del trombonista Hugo Gervin, ambos miembros de la Orquesta Sinfónica Nacional, junto a la guitarra de Ariel Rot, el teclado de Andrés Calamaro y los scratchs del rapper Mike D lo dejaban bien claro. En 1990 llegó Volumen V. A la hora de las definiciones, la prensa optaba por una mezcla... 'úna salsa cumbiada. . ., un ritmo centroamericano procesado al estilo de los Clash de ':Sandínísta y una veisión hereje del Miss You' de los Rolling Stones..., son la muestra sintétíca de los nuevos Cadíllacs que, de tan distintos, parecen más que nunca ese vieja banda de bar que se casea por los sitios que más le van (Clarín D. W). Después fue Sopa de Caracol, un maxi con cuatro temas y otra vez el éxito. le siguió En Vivo en Buenos Aires, y como sí el suceso de siete discos no bastara, en 1993 apareció Vasos Vacios, un compilado de éxitos inolvidables. Sólo dos temas eran inéditos. Quinto Centenario era uno de ellos. El otro Matador. Y fue suficiente. Rey Azúcar coronó 1996. El álbum fue producido por Chris Frantz y Tina Weymouth. En 1998 atacan de nuevo con Fabulosos Calavera, disco que les hace navegar por diversas experiencias de la actualidad musical que nos invade y del que se destaca uno de sus mejores temas, El Muerto. Y en 1999,.nos sorprenden con La Marcha del Golazo Solítario, un disco que a la prímera escucha hace vibrar tus altavoces y tu interior LaVida*, 57 Almas o El Baile de la Mar contienen ese abrazo a la vida que siempre han transmitido en toda su trayectoria.

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The internationally renowned and versatile Argentine band Los Fabulosos Cadillacs have been thrilling audiences with their eclectic mixture of rock, rap, ska, reggae, and traditional South American sounds for over ten years. The nine piece band began in 1985 and chose the name Los Fabulosos Cadillacs only because they thought it sounded good. Then as with now, the band is run democratically and there is no one leader; they play whatever style most appeals to them at the moment and each of their ten albums is different from the last. In 1995, they recorded the album Rey Azucar for S.D.I./Sony and featured guest appearances from Debbie Harry and from Mick Jones, the ex-guitarist from the Clash. According to the band members, working with Jones was a dream come true. One of their biggest commercial hits in South America is "Matador" which, with it's uptempo samba-reggae inspired beat, appeared as a bonus track on their 1995 greatest hits album Vasos Vacíos. The Cadillacs have extensively toured Latin America and in 1995, appeared in Anaheim, CA, where they knocked 'em dead with their lively performance. Though the band was in a slump during the early '90s, their greatest hits album revitalized their career. Marcha del Golazo Solitario followed in 1999 and two live albums, Hola and Chau, were issued in early 2001.

Ray Charles - What'd I Say (Vivo en Brazil)

Un 23 de septiembre de 1930 nace en Georgia el que posiblemente sería el responsable de una de las mayores revoluciones en el mundo del blues debido a la inclusión en su estilo del gospel, del jazz y del country, creando uno de los sonidos más característicos del mundo. Además de todo esto es uno de los más grandes pianistas de la música moderna. Charles decide estudiar composición en la escuela de San Agustín, sus padres habían muerto siendo el un crío y se ganaba la vida como músico en Florida en la época de los 40´ hasta que ha finales consigue colocar un disco en listas, y consigue su primer Top Ten en 1951 gracias a “Baby, Let Me Hold Your Hand”. Tras una gira por EEUU forma una banda de músicos y firma con Atlantic Records en donde encuentra el sonido que él buscaba y le ha hecho tan famoso. Es cuando consiguió el nº 2 en las listas de R & B con su “I Got a Woman” en 1955. A lo largo de toda la década de los 50´ consiguió una gran serie de éxitos entre los que cabe destacar “This Little Girl of Mine”, “Drown in My Own Tears”, “Hallelujah I Love Her So”, “Lonely Avenue”, y “The Right Time”. Pero estos éxitos no calaron con las grandes audiencias hasta que con “What'd I Say” en un alarde de música coral mezclada con rock & roll y un piano electrónico llega al Top Ten y es aclamado por las masas. Esta serie de éxitos le llevan a cambiar de discográfica, firmando por ABC, dando un giro a su sonido, volviéndose más pop, pero sin perder por ello en calidad, y sorprendiendo al mundo con un disco en el que los sonidos country vuelven a elevarle a la cima. Algunos de sus temas más famosos de este época son “Unchain My Heart”, “Hit the Road Jack” y “I Can't Stop Loving You”.

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Ray Charles was the musician most responsible for developing soul music. Singers like Sam Cooke and Jackie Wilson also did a great deal to pioneer the form, but Charles did even more to devise a new form of black pop by merging '50s R&B with gospel-powered vocals, adding plenty of flavor from contemporary jazz, blues, and (in the '60s) country. Then there was his singing; his style was among the most emotional and easily identifiable of any 20th-century performer, up there with the likes of Elvis and Billie Holiday. He was also a superb keyboard player, arranger, and bandleader. The brilliance of his 1950s and '60s work, however, can't obscure the fact that he made few classic tracks after the mid-'60s, though he recorded often and performed until the year before his death

Led Zeppelin - Rock & Roll

Surgidos a finales de los años 60 en el Reino Unido, la influencia del grupo Led Zeppelin es incalculable en la historia del rock. Su música trasciende cualquier etiqueta, incorporando a su básica sonoridad hard-rock y a su lírica de rasgos místicos y mitológicos, una heterogénea disposición sónica, embebida en su naturaleza rock de las tradicionales pautas del blues y de la tibieza acústica del folk británico. El grupo deriva de la banda The Yardbirds. Cuando éstos decidieron separarse a finales de la década de los 60, dos de sus componentes, Jimmy Page y Chris Deja, decidieron proseguir con el proyecto en el verano de 1968 bajo el nombre de The New Yardbirds. Jimmy Page (nacido el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex) había sido un prestigioso músico de sesión antes de incorporarse a los Yardbirds para sustituir a Paul Samwell-Smith, participando en discos de numerosos grupos y solistas, entre ellos los Who, Dave Berry, los Herman’s Hermits, Donovan o los Kinks. En varias de estas grabaciones había coincidido con el bajista y teclista John Paul Jones (nacido el 3 de enero de 1946 en Londres), otro experimentado músico de sesión y excelente arreglista, con el que había tocado en el tema “Hurdy Gurdy Man”, una canción de Donovan en la que también aparecía a la batería John Bonham (nacido el 31 de mayo de 1947 en Redditch).

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Led Zeppelin was the definitive heavy metal band. It wasn't just their crushingly loud interpretation of the blues -- it was how they incorporated mythology, mysticism, and a variety of other genres (most notably world music and British folk) -- into their sound. Led Zeppelin had mystique. They rarely gave interviews, since the music press detested the band. Consequently, the only connection the audience had with the band was through the records and the concerts. More than any other band, Led Zeppelin established the concept of album-oriented rock, refusing to release popular songs from their albums as singles. In doing so, they established the dominant format for heavy metal, as well as the genre's actual sound.

Road house - Soundtrack

• 01. Roadhouse Blues - Jeff Healey Band
• 02. Blue Monday - Bob Seger
• 03. I'm Tore Down - Jeff Healey Band
• 04. These Arms Of Mine - Otis Reading
• 05. When The Night Comes Falling From The Sky - Jeff Healey Band
• 06. Red Gumbo - Little Feat
• 07. Raising Heaven (In Hell Tonight) - Patrick Swayze
• 08. A Good Heart - Kris Mckay
• 09. Hoochie Coochie Man - Jeff Healey Band
• 10. Cliff's Edge - Patrick Swayze

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Radiohead - Street Spirit

En su particular lucha contra el tiempo, la eternidad, el recuerdo y la emoción del pasado, Radiohead parecen abocados, irremediablemente, a alcanzar la perfección en su música. Radiohead se han visto obligados a la hora de grabar sus discos de partir de cero. A diferencia de lo que sucede en otras bandas, el combo británico es incapaz de aprovechar gestos y momentos de su pasado. Porque su pasado, “Pablo Honey” y “The Bends”, mezcla de una olvidable oda al sinsentido guitarrero y un desigual cruce de electrónica y rock, hoy por hoy, no nos sirve para nada. Nos sirve, y de qué manera, el apabullante crecimiento musical y personal de “OK Computer”. Radiohead son originarios de Oxford, los cinco miembros de la banda, procedentes de familias de clase media, se conocieron a mediados de los ochenta en Abingdon School, una pequeña ciudad cercana a Oxford. Los componentes de este quinteto son Thomas Edward Yorke(1968), voz, compositor, guitarra, piano y realiza las portadas de sus discos. Fue a la Universidad de Exeter donde estudió Bellas Artes y Literatura inglesa. Jonathan Richard Guy Greenwood (1971), que toca casi todos los instrumentos. Edward Jhon O'brien (1968), estudió Ciencias Políticas en Manchester y es segunda guitarra y voz. Colin Charles Greenwood (1969), hermano de John, toca el bajo y es licenciado en Literatura inglesa por la universidad de Cambridge. Por último, Philip James Selway (1967),bateria, estudió Ingles e Historia en el Liverpool Polytechnic. El nombre de Radiohead está sacado de una canción de Talking Heads, del album True Storis. El primer nombre de la banda fue "On a Friday", y su primera grabación fue The Drill EP en mayo de 1992. Los fichó el sello Parlophone, entrando en los circuitos de directos, como cualquier banda inglesa. “Pablo Honey” fue su primer LP que incluía Creep, la canción con la que dieron la vuelta al mundo, varias veces y que fue grabada casi por error. Una crítica controvertida, prohibiciones de sus canciones en ciertas emisoras, todo esto hizo que entraran a formar parte de ese pequeño gremio de músicos de alto standing, llamados de culto, comenzando a su vez a vender discos. Afinan sus directos y desde entonces son uno de los grupos que más conciertos hacen por año.

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Radiohead was one of the few alternative bands of the early '90s to draw heavily from the grandiose arena rock that characterized U2's early albums. But the band internalized that epic sweep, turning it inside out to tell tortured, twisted tales of angst and alienation. Vocalist Thom Yorke's pained lyrics were brought to life by the group's three-guitar attack, which relied on texture -- borrowing as much from My Bloody Valentine and Pink Floyd as R.E.M. and Pixies -- instead of virtuosity. It took Radiohead awhile to formulate their signature sound. Their 1993 debut, Pablo Honey, only suggested their potential, and one of its songs, "Creep," became an unexpected international hit, its angst-ridden lyrics making it an alternative rock anthem.

Danny Gatton - 88 Elmira St.

Guitarrista virtuoso, Danny Gatton es conosido porsu increible estilo salvaje y sus fabulosos arreglos basados en el rockablly, su vocabulario musical abarca el R&B, pop, country, rock y jazz, todos estos estilos los ejecuta magistralmente. Gatton comenzo a tocar a la edad de nueve años y su primera banda fue The Lancers, tres años mas tarde, en 1960, persuade a un director de un banda de jazz para que se una a el, pero esto dura solo un año y la banda se divide. Comenzando su carrera como solista y consagrandose uno de los guitarristas mas virtuosos que existe en el planeta.

• 01. 88 Elmira St. - Funky Mama
• 02. 88 Elmira St. - Elmira St. Boogie
• 03. 88 Elmira St. - Blues Newburg
• 04. 88 Elmira St. - Quiet Village
• 05. 88 Elmira St. - Red Label
• 06. 88 Elmira St. - In My Room
• 07. 88 Elmira St. - The Simpsons
• 08. 88 Elmira St. - Muthaship
• 09. 88 Elmira St. - Pretty Blue
• 10. 88 Elmira St. - Fandingus
• 11. 88 Elmira St. - Slidin' Home

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Guitar virtuoso Danny Gatton was known for the incredibly wide stylistic range of his playing; based in rockabilly, Gatton's musical vocabulary included R&B, pop, country, rock, and jazz, all of which he could play effectively. Gatton began playing at age nine, joining his first band, the Lancers, three years later. In 1960, Gatton pursued a jazz direction when he joined the Offbeats, where pianist/organist Dick Heintze proved to be one of Gatton's biggest influences. The band broke up four years later, and Gatton moved to Nashville to get into session work; there he met Roy Buchanan, who briefly became his roommate and taught him more about his instrument of choice. Eventually, Gatton built a reputation as a top-notch guitarist around his native Washington, D.C., area through his club performances.

Danny Gatton - Playing Slide



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Jimi Hendrix - Johnny B Goode

Nacido con el nombre de John Allen Hendrix, su padre le cambió el nombre por James Marshall "Jimi" Hendrix a los cuatro años. Le compró una guitarra acústica de segunda mano, con la que el pequeño James aprendió a tocar a los 11 años de edad. En 1959, le compró la primera guitarra eléctrica. Jamás estudió música, fue un artista autodidacta. No fue muy reconocido por sus letras, gracias o por desgracia a su habilidad y destreza con la guitarra, pero escribió grandes canciones. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo King Casuals. Tuvo relativo éxito, y fue contratado por Little Richard, hasta 1965. A partir de ese año, formó su propia banda llamada Jimmy James and the Blue Flames, con la que se sucederían los éxitos y el trabajo sin descanso, explotado por sus representantes musicales. Poco después, comenzó a consumir marihuana y LSD , como la gran mayoría de músicos y artistas de la época. El LSD fue una de sus fuentes de creación y creó uno de los discos más influyentes en la música del rock, eso fue en 1968 bajo el título de Electric Ladyland con temas como All along the watchtower ,versión de Bob Dylan uno de los ídolos de Hendrix ,que aparece en la película Forrest Gump , Voodoo Child usada para la batalla campal de la película En el nombre del padre. Chas Chandler, el bajista del grupo "The Animals", se convirtió en su representante y le convenció en 1966 para ir a Londres, donde había entonces un gran movimiento musical. Juntos crearon el grupo The Jimi Hendrix Experience, con Mitch Mitchell a la batería y el recientemente fallecido Noel Redding al bajo eléctrico. Realizó una actuación estelar (quema de guitarra incluida, durante "Wild Thing", el último tema de la noche) en 1967, en el Festival Pop de Monterey. También actuó, en diversos Festivales durante 1969, en el de Newport y en el "Woodstock Music & Art Fair", donde tocó una histórica versión eléctrica del himno estadounidense como protesta a la guerra del Vietnam y que aquellos que no aceptaban la actuación de su gobierno eran también ciudadanos estadounidenses. Fue un concierto épico y uno de los más fantásticos de su carrera. En 1969 se disolvió "The Jimi Hendrix Experience" y montó un nuevo grupo llamado "Band Of Gypsys" ("Banda de Gitanos") con Buddy Miles en batería y Billy Cox en bajo. Protagonizó el histórico concierto del Festival de la Isla de Wight en 1970. Mermado ya de fuerzas por la gira "Cry of Love", debido a un "estresante ritmo de trabajo" mezcla de la vorágine creativa y la compleja transición hacia un bluesrock más sofisticado. A destacar también los recitales de Atlanta y Berkeley. En 1970 estaba grabando su cuarto álbum, "First Rays of The New Rising Sun" en Londres. Se planeaba un álbum doble (por la gran cantidad de canciones, tomas y demos). Pero en la madrugada del 18 de septiembre de 1970, Jimi Hendrix ingirió una mezcla de somníferos y alcohol y murió al parecer por aspiración de vómito. Años después luego de investigaciones se supo que en realidad, el músico no había muerto en el momento y con su propio jugo gástrico si no que en realidad cuando lo llevaban en la camilla James Marshall quería tirar la cabeza para poder devolver en el piso y el camillero como co su cabeza fuera de la camilla así causando su atragantamiento y fallecimiento. De todos modos las versiones que existen de su muerte son variadas y ninguna es certera. Los medios de comunicación empezaron a difundir entonces el bulo de que otra estrella del rock había muerto por culpa de las drogas duras: "Sexo, drogas y rock & roll". Sensacionalismo de la época. Fue un fatal y terrible accidente. Una gran pérdida para la música y la cultura. El legado musical de Hendrix es revolucionario, sin llegar a pensar que fue el único y el primero en todo lo que hizo, sino más bien en cómo lo hizo, sobre todo a la hora de conjugar y mezclar diversos elementos ya establecidos. La pregunta es hacia donde hubiera evolucionado su música.

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In his brief four-year reign as a superstar, Jimi Hendrix expanded the vocabulary of the electric rock guitar more than anyone before or since. Hendrix was a master at coaxing all manner of unforeseen sonics from his instrument, often with innovative amplification experiments that produced astral-quality feedback and roaring distortion. His frequent hurricane blasts of noise and dazzling showmanship -- he could and would play behind his back and with his teeth and set his guitar on fire -- has sometimes obscured his considerable gifts as a songwriter, singer, and master of a gamut of blues, R&B, and rock styles.

Jet - Are You Gonna Be My Girl

La corriente de Jet ha crecido demasiado rápidamente. “Are You Gonna Be My Girl” los ha ascendido al Olimpo rockero actual con un gran apoyo en ventas pero sin demasiado tiempo para demostrar sus argumentos. Son cuatro australianos veinteañeros: Nic Cester, que se encarga de la guitarra rítmica y el micrófono, su hermano Chris en las baquetas, Cameron Muncey en la guitarra solista y Marca Wilson al bajo. Su sonido: rock ‘n’ roll crudo y pegadizo, como si AC/DC y The Rolling Stones tocaran juntos. Su andadura comenzó en 2001, mientras estos cuatro amigos trabajaban en la misma fábrica. Su afición musical convertida en banda de rock se extrapoló a los bares que frecuentaban y así hasta que fueron descubiertos por una discográfica. Todo siguió tan rápido como prototípico: maqueta que gusta, contrato sobre la mesa y oportunidad de hacer el primer álbum. De aquí en adelante, viaje a Los Ángeles para grabar en Subset Sound Studios y disco final producido por Dave Sardy (DandY Warhols o Marilyn Manson, entre otros) llamado “Get Born” (Elektra/Dro East West, 2003), que les da la oportunidad de talonear a los Rolling Stones por Australia y de saltar al mercado europeo y americano.

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The Australian garage rock band Jet is comprised of Cameron Muncey (guitar/vocals), brothers Chris Cester (drums) and Nic Cester (guitar/vocals), and Mark Wilson (bass). Hailing from Melbourne and with dreams of making it big, the foursome formed just as the new millennium was beginning. They quickly self-released the Dirty Sweet EP in 2002. The vinyl-only album, which was limited to 1,000 pressings, was an instant hit down under. Once they pressed 1,000 more, Jet was being touted in the U.K. An American deal with Elektra surfaced in early 2003 and the Dirty Sweet EP was released domestically in May. An opening slot for the Rolling Stones in Jet's homeland soon followed. The band's proper studio full-length, Get Born, appeared in November. "Are You Gona Be My Girl?" became a radio favorite worldwide, pushing sales for Get Born near the four million mark. Jet also received seven ARIA (Australian Record Industry Association) nominations, and won six of those including single and album of the year. European dates with Oasis followed in summer 2005; Shine On, the band's second effort produced by Dave Sardy, arrived in fall 2006.

Bob Dylan, George Harrison - Just Like A Woman

Bob Dylan, George Harrison - Just Like A Woman (Concert For Bangladesh)

La semilla de “Concert for Bangladesh” tiene su origen en el éxodo que millones de refugiados realizaron desde Pakistán hasta la vecina India durante la lucha por la independencia de Pakistán. Ravi Shankar alertó a George Harrison sobre la magnitud de la tragedia de aquellos refugiados que huían del hambre, la enfermedad y de las matanzas. Inmediatamente Harrison inició el mismo trabajo de gestión que veinticuatro años después realizarían nombres familiarizados con las causas benéficas como Bob Geldof, Bono o Sting. Los resultados no pudieron ser más enriquecedores. 40.000 personas pasaron religiosamente por taquilla aquel 1 de agosto para colaborar con la causa y, por supuesto, para ver en primer plano un evento de rock inolvidable llevado a cabo por leyendas del rock que en aquellos momentos gozaban de un incuestionable gran momento artístico y de un poder de magnetismo en toda regla. Incluyendo en este sentido también al bueno de Clapton, a pesar de que en aquella época estuviera superando su adición a la heroina. De hecho, durante el concierto tuvo que ser reanimado por un médico tras un breve desmayo.

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As East Pakistan struggled to become the separate state of Bangladesh, tremendous political and military turmoil led to a massive refugee problem. This problem was compounded by torrential rains causing devastating floods and threatening a humanitarian disaster. Bengali musician Ravi Shankar consulted his friend George Harrison regarding a means of providing help to the situation. Harrison recorded the single "Bangladesh" to help raise awareness and pushed Apple Records to release Shankar's single "Joi Bangla" in a dual-pronged effort to raise funds. Shankar also asked Harrison's advice regarding a small fund-raising concert in the United States. Instead, Harrison took over and persuaded his friends to join him at a large concert at Madison Square Garden. The event was organised within five weeks. Harrison first asked his fellow Beatles to appear. John Lennon agreed to take part in the concert, however Harrison stipulated that Lennon's wife Yoko Ono not perform with him. Lennon agreed, but left New York two days before the event following an argument with Ono regarding his and Harrison's agreement that she not participate.[citations needed] Paul McCartney declined because of the bad feelings caused by The Beatles' legal problems on their break-up. Ringo Starr, however, readily agreed to appear.

John Lennon - Give Peace A Chance

John Lennon nació el 9 de octubre de 1940, en Liverpool, Inglaterra. Su padre era Fred Lennon, un marino que abandonó su familia al nacer John. Su madre era Julia Stanley, quien, al verse sóla, dejó a John junto a su hermana Mimi. Gracias a su talento artístico consiguió acceder a la universidad, para cursar la carrera de arte. Allí conoció a Cinthia Powell, con la que se casó en 1962. Se divorciaron tres años después, no sin antes haber tenido un hijo llamado Julian. De adolescente, John creó su propia banda de skiffle, llamada "The Quarrymen", con los que actuaba en el colegio. Poco después conoció a Paul McCartney, al que le propuso unirse al grupo. Este le presentó a su vez a George Harrison y John propuso cambiar el nombre del grupo por 'The Beatles'

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Out of all the Beatles, John Lennon had the most interesting -- and frustrating -- solo career. Lennon was capable of inspired, brutally honest confessional songwriting and melodic songcraft; he also had a tendency to rest on his laurels, churning out straight-ahead rock & roll without much care. But the extremes, both in his music and his life, were what made him fascinating. Where Paul McCartney was content to be a rock star, Lennon dabbled in everything from revolutionary politics to the television talk-show circuit during the early '70s. After releasing a pair of acclaimed albums, John Lennon/Plastic Ono Band and Imagine, in the early '70s, Lennon sunk into an infamous "lost weekend" where his musical output was decidedly uneven and his public behavior was often embarrassing.

Israel Vibration - Rudeboy Shufflin

Cecil Spence (Skelly) y Lascelle Bulgin (Wiss) nacieron en Jamaica. Ambos victimas de la poliomyelitis, se conocieron en el Mona Rehabilitation Center, donde sus familias les internaron por culpa de los escasos recursos y los altos costes medicos de los cuidados especiales que requerian. Esta situación de handicap y desarraigo, les afiló los sentidos y habilidades para la supervivencia. Encontrar la fe en Rastafari a través de las enseñanzas de Su Majestad Imperial, Emperador Haile Selassie I de Etiopia, fue la fuerza para empezar a escribir , componer y cantar, para expresar esa creencia espiritual.

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A living lesson in fortitude, the vocal trio of Cecil "Skeleton" Spence, Albert "Apple Gabriel" Craig, and Lascelle "Wiss" Bulgin overcame adversity, illness, and poverty to become one of the finest roots groups in Jamaica's history. All three had been afflicted by polio and first became acquainted, albeit briefly, at Kingston's Mona Rehabilitation Clinic. Of the trio, Bulgin appeared least likely to emerge a singing sensation. He spent much of his childhood at a variety of rehabilitation centers and in his teens began working for a tailor. Craig, in contrast, initially did seem destined for a musical career and for a while attended the famed Alpha Cottage School.

Macy Gray - I Try

Macy Gray es una artista extraordinaria con una voz única. Aprovecha las raíces de la vieja escuela del funk y el soul, mezclándolos con influencias contemporáneas para crear algo totalmente original. Nacida y criada en Canton, Ohio, Macy Gray creció bajo la influencia de la colección de discos de sus padres hasta que el Hip Hop llegó a su instituto. Entonces abrazó el rock durante dos años mientras asistía a una escuela cercana sólo para blancos. Mientras estudiaba para guionista en la USC Film School, Macy Gray salía con una panda de amigos músicos que le pedían letras. Una noche, cuando el cantante no apareció en el estudio de grabación, ella ocupó su puesto. Según fue circulando la demo, comenzaron a llegar las llamadas sobre su extraordinaria voz. Comenzó entonces a grabar con más frecuencia y se unió a una banda de jazz en el circuito de hoteles de Los Ángeles. La música de Macy comenzó a hacerse imprescindible en muchos atascos, cuartos de estar, estudios, salas de ensaño e incluso llegó a crear su propia banda after-hours: The We Ours. The Hollywood Coffee Shop comenzó a hacerse legendario y ayudó a Macy en su oficio. El álbum debut de Macy Gray, "On How Life Is" comenzó a venderse modestamente, pero una impresionante campaña de boca a boca, emprendida por todo aquel que escuchaba su música consiguió elevar al disco a los primeros puestos de las listas de ventas de medio mundo. El disco fue grabado con sus viejos amigos compositores, Darryl Swann y Jeremy Ruzumma, sus amigos DJ Kiilu y Arrik Marshal (ex componente de Red Hot Chili Peppers) y el productor Andrew Slater, amigos que en ningún momento pusieron en duda el éxito musical de esta cantante. En 2001 edita su segundo trabajo, este álbum sería la continuación de su álbum debut “On How Life Is”, y saldría a la luz bajo el título "The Id". El disco fue producido por Rick Rubin y colaboraron artistas de la talla de John Frusciante (Red Hot Chili Peppers) a la guitarra, Erykah Badu en los coros o Billy Preston al órgano. Una buena mezcla de soul, funk, R & B, blues y rock.

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Macy Gray parlayed an utterly unique voice and an outlandish sense of style into R&B stardom at the turn of the millennium, appealing to audiences of all colors in search of a fresh alternative to mainstream soul. Gray was actually born Natalie McIntyre in Canton, OH, in 1970, and grew up a shy, awkward youngster who was frequently teased about her odd-sounding voice. She studied classical piano for seven years, but also soaked up the music of soul legends like Stevie Wonder, Marvin Gaye, and Aretha Franklin, not to mention old-school hip-hop; at boarding school as a teenager, she was exposed to a variety of white rock & roll as well. She moved to Los Angeles to enroll in USC's screenwriting program, where one day she agreed to write lyrics for a musician friend's original songs

Nirvana - MTV Unplugged DVDrip

Nirvana se formó en Seattle, cuando Kurt Cobain y Krist Novoselic se unieron a Dale Crover para tocar en pequeños locales de la ciudad en 1985 y 1986. Adoptaron varios nombres para el grupo, pero ninguno terminó de gustarles hasta que, finalmente, tomaron el de Nirvana. Ellos fueron el estandarte de lo que vino a denominarse como música 'grunge' En 1986 editaron su primera maqueta. Fue un trabajo casero, ya que lo realizaron en un cuarto de una tía de Kurt. En 1988 grabaron su primer sencillo, producido por Jack Endino, de la pequeña discográfica Sub Pop. El disco incluía dos canciones: 'Love Buzz' y Big Cheese'. Para entonces, el batería Dan Crover había sido sustituído por Chad Channing. Siguiendo la estela del sencillo anterior, grabaron 'Bleach', su primer álbum de estudio, realizado en apenas tres días y con un presupuesto de 600 dólares. Mientras tanto, Nirvana seguían actuando en los circuitos de música alternativa de Seattle y habían tomado como costumbre destrozar los instrumentos musicales al final de sus conciertos. En 1990 grabaron su segundo álbum, titulado 'Nevermind', con el nuevo batería Dave Grohl, que sustituyó a Chad Channing en plena grabación. Ahora con la discográfica Geffen, consiguieron un contrato para dos discos y un sustancioso adelanto, con lo que tenían mejores medios para realizar un buen trabajo. Si a ello le añadimos que cambiaron su estilo para hacerlo un tanto más comercial comprenderemos por qué consiguieron vender más de 15 millones de copias de 'Nevermind'. Dos años después editan un álbum con temas inéditos, sólo conocidos por aquellos que acudían a ver sus conciertos. El título del disco fue 'Incesticide'. En 1993 se encierran de nuevo en un estudio para grabar 'In Utero', con el que intentaron hacer algo nuevo, un poco más alejado de su anterior éxito comercial 'Nevermind'. Aunque el nuevo disco tuvo una gran acogida por parte del público, ellos no se sintieron satisfechos con el resultado obtenido. A finales de 1993 grabaron el 'MTV Unplugged'. El disco salió al mercado un año después, tras la repentina muerte de Kurt Cobain a mediados de 1994, la cual desató una gran polémica sobre sus posibles causas, que llegaron a salpicar a su viuda, Courtney Love. Tras su muerte, aún se publicó un nuevo álbum, 'From The Mudy Banks of The Wishkah', una recopilación realizada por los otros compañeros del grupo.

• 01. About a girl (Cobain)
• 02. Come as you are (Cobain/Grohl/Novoselic)
• 03. Jesus doesn't want me for a sunbeam (Kelly/McKee)
• 04. The man who sold the world (Bowie)
• 05. Pennyroyal tea (Cobain)
• 06. Dumb (Cobain)
• 07. Polly (Cobain/Grohl/Novoselic)
• 08. On a plain (Cobain/Grohl/Novoselic)
• 09. Something in the way (Cobain/Grohl/Novoselic)
• 10. Plateau (Kirkwood)
• 11. Oh me (Kirkwood)
• 12. Lake of fire (Kirkwood)
• 13. All apologies (Cobain)
• 14. Where did you sleep last night? (Leadbelly)

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Prior to Nirvana, alternative music was consigned to specialty sections of record stores and major labels considered it to be, at the very most, a tax write-off. After the band's second album, 1991's Nevermind, nothing was ever quite the same, for better and for worse. Nirvana popularized punk, post-punk, and indie rock, unintentionally bringing it into the American mainstream like no other band before it. While its sound was equal parts Black Sabbath (as learned by fellow Washington underground rockers the Melvins) and Cheap Trick, Nirvana's aesthetics were strictly indie rock. They covered Vaselines songs, they revived new wave cuts by Devo, and leader Kurt Cobain relentlessly pushed his favorite bands -- whether it was the art punk of the Raincoats or the country-fried hardcore of the Meat Puppets

Nirvana - Man Who Sold The World


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The Pink Floyd Songbook

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Guitars design, Production and Repair.

Guitars design, Production and Repair by Jim Donahue.

Una introducción comprensiva a las herramientas, a las habilidades, a las técnicas y a los estilos para el constructor serio de la guitarra. (EN INGLES)

A Comprehensive introduction to the tools, skills, techniques and styles for the serious guitar builder.

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Diccionario de Acordes

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The Black Crowes - She Talks To Angels (live)

Los cuervos se juntaron una mañana de 1984 en Atlanta. En la época en que se presentaron al mundo, halla por 1990, EL rock & roll era un estilo, caduco y fuera de todo tiempo y lugar. Solo Guns N' Roses habían caminado por estos derroteros en los últimos tiempos, en un intento de imitar a los Stones, pero estaban demasiado enojados y cabreados con la sociedad y se dejaban llevar en exceso por la histeria colectiva como para hacer un rock & roll puro. En definitiva, que los encargados de recoger el relevo “Stoniano” tuvieron que ser los Black Crowes, y no solo lo cogieron, sino que lo han llevado al éxito y lo han mejorado. El vocalista Chris Robinson se “apropió” del sonido y el estilo Rod Stewart mientras que el guitarrista Rich Robinson fundió el ataque limpio de Keith Richards con el sentido rítmico de Ron Wood. Black Crowes rememoran el clásico rock pero sin caer en imitaciones de los grupos que les han influenciado.

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At the time of their 1990 debut, the kind of rock & roll the Black Crowes specialize in was out of style. Only Guns N' Roses came close to approximating a vintage Stones-style raunch, but they were too angry and jagged to pull it off completely. The Black Crowes replicated that Stonesy swagger and Faces boogie perfectly. Vocalist Chris Robinson appropriated the sound and style of vintage Rod Stewart while guitarist Rich Robinson fused Keith Richards' lean attack with Ron Wood's messy rhythmic sense. At their best, the Black Crowes echo classic rock without slavishly imitating their influences.

Damien Rice - 9

Nacido en County Kildare, sus inicios en la música fueron en una banda: Juniper. Con ella grabó dos temas que iban a ser el lanzamiento de un disco con la multinacional Polygram. Por el escaso entendimiento entre la banda y la compañía, al final no fue posible este lanzamiento y el resto del grupo continuó bajo el nombre de Bell X1. Recorriendo las calles como cualquier otro cantautor urbano, recorre casi toda la geografía europea, estableciéndose finalmente en Dublín en el año 2000. Con una serie de ideas bien marcadas decide grabar algunos temas en una maqueta y probar suerte. Y tal fue la suerte que el productor David Arnold (conocido por sus trabajos para Bjork y la saga de James Bond) quedó fascinado por su música y decidió invertir en él. Así, le conseguiría el dinero necesario para que se comprara su estudio móvil. En este estudio grabaría su primer single, The Blower’s Daughter que sería publicado en 2001 como preámbulo de su único larga duración hasta el momento: O (Warner, 2002). Grabado a lo largo de un viaje de forma absolutamente casera, casi desnudo. Vestido con guitarras acústicas, cuerdas y mucha imaginación, el disco fue todo un éxito tanto para el público como para la crítica, y enseguida salió de las fronteras de Irlanda para conquistar al público británico, europeo y estadounidense. No podemos olvidar a la cantante Lisa Hannigan, uno de los pilares de las canciones de Damien que con su voz teje el perfecto complemento a historias viscerales, profundas, sin tapujos y absolutamente sobrecogedoras. Canciones que han conquistado incluso al director de cine Mike Nichols, que ha incluido uno de los temas como comienzo de Closer, una de las películas más esperadas de 2005, protagonizada por Julia Roberts. En la actualidad se encuentra preparando su segundo trabajo de estudio, que está previsto vea la luz a lo largo de este año. Así es Damien Rice. Un artista de la gente, de la calle. Un hombre polifacético que ha hecho la mayoría de arreglos de sus producciones, que toca numerosos instrumentos, que se atreve incluso con el arte del disco. Un artista de pies a cabeza, impredecible, innovador y renovador.

• 01. Damien Rice - 9 - 9 Crimes
• 02. Damien Rice - 9 - The Animals Were Gone
• 03. Damien Rice - 9 - Elephant
• 04. Damien Rice - 9 - Rootless Tree
• 05. Damien Rice - 9 - Dogs
• 06. Damien Rice - 9 - Coconut Skins
• 07. Damien Rice - 9 - Me, My Yoke And I
• 08. Damien Rice - 9 - Grey Room
• 09. Damien Rice - 9 - Accidental Babies
• 10. Damien Rice - 9 - Sleep, Don't Weep

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Irish singer/songwriter Damien Rice spent his childhood fishing and daydreaming in the countryside of Celbridge, County Kildare. Painting and writing songs inspired him as a young man, motivating Rice to put a band together. The heavy, indie rock sounds of Juniper were signed to Polygram in 1997 and "The World Is Dead" and "Weathermen" did moderately well on Irish radio. When it came time to recording a full-length album, contractual rules from the label prevented Juniper from doing so, and Rice split. He headed for the hills of Tuscany in 1999 and lived his life wandering around Europe. Rice returned to Dublin within a year to focus on music once again, scrounging up enough money to record a demo. Rice sent it to producer/film composer David Arnold (Björk, Nina Persson, Paul Oakenfold), and lucky for him, Arnold loved it. He set Rice up in his very own mobile studio to make a record. His first single, "The Blower's Daughter'," was an instant Top 20 hit when it appeared in fall 2001. Shared gigs with McAlmont & Butler and folkie Kathryn Williams followed in summer 2002 when Rice released O in the U.K.

Damien Rice - The Blowers Daughter


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Tito & Tarantula - Little Bitch

Tito nació en Ciudad Juárez, Chihuahua, hace más de 40 años. Tres meses después estaba en Alaska, donde vivió hasta los seis años. Más tarde estudiaba el high school en El Paso, Texas; luego vivió un tiempo en Washington para terminar caminando en las calles de la ciudad de México hasta que una mujer lo convenció de irse a Los Ángeles a probar fortuna. 20 años después, Tito Larriva regresa a México, acompañado por su grupo Tarántula, banda de culto en Europa y con admiradores de la talla de Wim Wenders, John Travolta y Salma Hayek, a quien hicieron danzar voluptuosamente en la cinta Del crepúsculo al amanecer.

• 01. Little Bitch - Everybody Needs
• 02. Little Bitch - Forever Forgotten & Unforgiven
• 03. Little Bitch - Crack In The World
• 04. Little Bitch - Goodbye Sadie
• 05. Little Bitch - Lady Don't Leave
• 06. Little Bitch - Lonely Sweet Marie
• 07. Little Bitch - Crime & Shame
• 08. Little Bitch - Bitch
• 09. Little Bitch - World At My Feet
• 10. Little Bitch - Super Vita Jane
• 11. Little Bitch - Dead Person
• 12. Little Bitch - Silent Train
• 13. Little Bitch - Regresare
• 14. Little Bitch - Piste 14
• 15. Little Bitch - Piste 15

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Latin rockers Tito and Tarantula were headlined by singer/guitarist Tito Larriva, previously best known for founding the seminal Los Angeles punk band the Plugz. Larriva was born in Ciudad Juarez, Mexico but spent his early years living outside Fairbanks, AK; his family later relocated to El Paso, TX, where he studied violin and flute as a member of his school orchestra. After high school he flirted with attending Yale University before landing in L.A. during the mid-1970s; there Larriva formed the Plugz, which in 1979 released their debut LP Electrify Me, the first album to emerge from the city's thriving punk scene. Shortly after scoring Alex Cox's 1984 cult classic Repo Man, the Plugz were rechristened the Cruzados, signing to Arista to release a self-titled 1985 LP; After Dark followed two years later, and the group disbanded in 1990. From there Larriva continued writing film music, also turning to acting; with guitarist Peter Atanasoff and a host of other L.A. session vets he eventually formed Tito and Tarantula, which quickly emerged as a major favorite on the local club scene. Among their most vocal supporters was filmmaker Robert Rodriguez, who not only enlisted the group to contribute material to his movies Desperado and From Dusk till Dawn but also found small roles for Larriva in both; Rodriguez additionally helped produce 1997's Tarantism, released on the band's own Cockroach label. Hungry Sally and Other Killer Lullabies followed in 1999.

Tito & Tarantula - After Dark


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Blind Melon - Soup

Blind Melon es una banda de cinco miembros, tres de ellos provenientes de Mississippi. Glen Graham (bateria) y Brad Smith (Bajo) ambos nacieron en Colón, Mississippi y Thomas Rogers Stevens (Guitarra) nació en la punta oeste de mississippi, Christopher Thorn creció en Dover, Pennsylvania y Shannon Hoon en Lafayette, Indiana. Despues de una excelente recepción internacional, aparecen en MTV y tocan en Woodstock, pero su vida como banda se corta por una tragedia. Thomas Roger Stevens y Brad Smith crecieron juntos en la punta Oeste, Mississippi. Durante la escuela secundaria tocaron Guitarra juntos. Decidieron que querian vivir de la música, por eso se mudaron a Los Angeles.Durante unas pruebas de bandas Rogers conoció a Christopher Thorn (Guitarra) y desarrollaron una amistad. Luego encontraron a Shannon Hoon por un amigo mutuo y asi decidieron crear una banda. Glen Graham, un musico que brad conoció de Mississippi, fue llamado para tocar bateria. En 1989 Blind Melon se formó como una Banda. Despues de promocionar su musica a nivel local, el grupo decidió salir de Los Angeles. Grabaron unas canciones para presentarlas a un sello discografico , el cual inmediatamente los aceptó. Pronto fue lanzado al mercado su primer album "Blind Melon". Su primer single "No rain" fue un hit internacional. En 1992 el album fue doble platino. El grupo apareció en MTV y lanzaron varios singles mas como "Tones of home" y "Change". Recibieron Grammy y nominaron en los premios de la musica americana (American music awards). La banda tocó en Woodstock 94' y estuvo junto a bandas como The Rolling Stones, Neil Young, Soundgarden, Lenny Kravitz, y Pearl Jam. En 1995 Blind Melon lanzó su segundo álbum, "Soup". Su primer single, "Galaxie," era un modesto hit. El álbum mismo, sin embargo, era un fracaso comercial. Brevemente después de "Soup" se desató una tragedia que golpeó a todos. Shannon fue encontrado muerto en un autobús de la gira, producto de una dosis excesiva de cocaína. Todos quedaron impactados con la noticia y nadie supo que hacer. Fue un corte definitivo y el termino de todos sus proyectos. La Banda lanzó un tercero CD, el cual fue llamado "Nico" y esta dedicado a la hija de Shannon. Nico contuvo previamente material de singles no lanzados e ineditos. "hay mucho más que se debería haber escrito como Blind Melon, pero que no va estar. Aqui está todo la música que tenemos que poner sin shannon entre nosotros. Avanzamos porque ésto es todo lo que sabemos hacer," dice un miembro de la banda, Rogers acerca del Cd Nico. Hoy, puede encontrar a Brad y Christopher trabajando con su nueva banda. Rogers ha estado trabajando con el compositor Rene Lopez en Nueva York. El par ha grabado quince canciones y estan formando una banda. Glen Graham ha estado componiendo y trabajando en varios proyectos de grabación con otro artistas. Aunque los miembros de la banda han seguido caminos separados, Blind Melon ha dejado un efecto duradero en el mundo. Por su música realista nos mostraron que el mundo es un mal lugar, pero todavía un lugar donde podemos encontrar una salida. La muerte de Shannon también contribuyó a la rehabilitacion de muchas vidas alrededor del planeta.

• 01. Blind Melon - Soup - Galaxie
  02. Blind Melon - Soup - 2X4
  03. Blind Melon - Soup - Vernie
  04. Blind Melon - Soup - Skinned
  05. Blind Melon - Soup - Toes Across The Floor
  06. Blind Melon - Soup - Walk
  07. Blind Melon - Soup - Dumptruck
  08. Blind Melon - Soup - Car Seat (God's Presents)
  09. Blind Melon - Soup - Wilt
  10. Blind Melon - Soup - The Duke
  11. Blind Melon - Soup - St. Andrew's Fall
  12. Blind Melon - Soup - New Life
  13. Blind Melon - Soup - Mouthful Of Cavities
  14. Blind Melon - Soup - Lemonade

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Whereas most up and coming alternative bands of the early '90s borrowed from the leaders of the pack (Nirvana, Soundgarden, Nine Inch Nails, etc.), Blind Melon was an exception to the rule -- their roots lay in classic rock (Lynyrd Skynyrd, Grateful Dead, Led Zeppelin). And while a promising career lay ahead of them, tragedy would ultimately end the band abruptly. The group came together in 1989 in Los Angeles, although all their respective members had migrated there from other U.S. locales (singer Shannon Hoon from Indiana; guitarist Christopher Thorn from Pennsylvania; and guitarist Rogers Stevens, bassist Brad Smith, and drummer Glen Graham all hailed from Mississippi). The complete opposite of all the glossed up glam metal that was permeating the Sunset Strip at the time, the quintet used a refreshing back-to-basics approach, both musically and visually (giving off a heavy retro vibe early on). The band considered several names -- Brown Cow, Mud Bird, Naked Pilgrims, and Head Train -- before agreeing on Blind Melon, a phrase that Smith's father would use to describe a couple of hippie neighbors from back home in Mississippi.

Blind Melon - Soup - Toes Across The Floor


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Kapanga - A 15 Centimetros de la Realidad

Los orígenes de esta banda deben remontarse a 1989 en Quilmes, cuando Martín "Mono" Fabio y Marcelo "Balde" Spósito formaban Kapanga y sus Yacarés, en honor a Kapanga el Misionero, el personaje de Titanes en el Ring. Foco en teclados, Pablo Monteagudo en batería, el Negro Collet en percusión, Juanjo en pandereta y Polvorita en guitarra completaban esa primera formación. Esa primera etapa transcurrió animando fiestas privadas e interpretando canciones de La Mona Jiménez. Luego de una separación volvieron a juntarse en 1995 y acortaron el nombre de la banda simplemente a Kapanga. La nueva formación era "Mono" Fabio (voz), "Balde" Spósito (bajo y coros), "Maiquel" De Luna Campos (guitarras y coros), Claudio Maffia (batería y coros) y Mariano "Príncipe" Arjones (teclados). La compañía EMI les pidió que presentaran su material, y así lograron editar su álbum debut "A 15 cm. de la Realidad" (1998), que incluye los hits Me Mata, Agujita de Oro, Ramón y El Mono Relojero, entre otros. Las más de 35.000 copias vendidas lo transformaron en Disco de Oro. Hacia fines de 1999 editaron "Un asado en Abbey Road", el segundo disco, en el cual se destaca la participación de importantes músicos invitados de la talla de Ricardo Mollo (Divididos) en guitarras y voz del tema "Demasiado", Andrés Giménez (A.N.I.M.A.L), voz en "Indultados", y el coro de Super Ratones en "Quiero llenarte de mí". "Operación Rebenque" fue el tercer disco, del año 2000. A su tradicional estilo rockero-cuartetero sumó ritmos emparentados con la música beat y country. «Nosotros, como banda, tenemos la necesidad de hacer cosas nuevas y tratamos de evolucionar», comentaba El Mono. «Si escuchamos el primer disco y el tercero hay una diferencia bastante interesante tanto musical como de sonido». Este cambio está explicitado en temas como "Bailarín asesino", el corte de difusión, una canción beat-psicodélica en la que participa el Babasónico Adrián Dárgelos como invitado; "La Taberna", un tema con melodía country, o "Dame", una fusión de cuarteto y ska. Ya desvinculados de la compañía discográfica, en el 2002 encararon una gira de un mes y medio por Puerto Rico, durante la cual dieron forma a los temas de "Botanika", el disco editado a fines de ese año por Pop Art. El primer corte difusión fue "En el camino". La gira por la Costa Atlántica, tocando gratis en distintos paradores, y los cerca de veinte shows ofrecidos en todo el país a mediados del 2003 terminaron de instalar a la banda en públicos muy amplios. "¡Esta!" es el quinto disco de la banda, editado en 2004 con un estupendo packaging de diseño psicodélico y provocador. El tema "El beso del adiós" cuenta con la participación de Eduardo Schmidt, de Arbol, en violín y Mimi Maura aporta su voz, a dúo con el Mono. Otros invitados son Andrés Ciro en "Postal", los metales de Dancing Mood en "Locos", el Condor y Dani de Bersuit en "Desesperado" y Gustavo Rowek en la batería de "Buscar". Fue grabado en Estudios Del Cielito y mezclado en El Pie. "Kapangstock" fue grabado en vivo grabado durante los shows de Obras y el Pepsi Music del año 2005. Editado hacia fines del 2006 en formato CD y DVD, es un recorrido a través de sus 10 años de trayectoria.

• 01. Kapanga
• 02. El Mono Relojero
• 03. Bon Que Bon
• 04. Ramón
• 05. Caballero Rojo
• 06. El Akordeón
• 07. Kapanga
• 08. Karrito De Rulemanes
• 09. Marche Preso Por Rigor
• 10. Hombre Gato
• 11. Mujeres
• 12. Kapanga
• 13. Me Mata
• 14. Amor De Mañana
• 15. Kuarteteros
• 16. Amor Secreto
• 17. Toda La Vida
• 18. Kapangatronik
• 19. Cecator El Borracho
• 20. Agujita De Oro
• 21. Somos Los Heavys
• 22. Kapanga

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Argentine five-piece act Kapanga started as a project called Kapanga y sus Yakarés in 1989. Nevertheless, the band was unable to remain active and disbanded soon after. In 1995, the group was reunited, shortening its name to Kapanga. In 1998, the band's debut album, called A 15 cm. de la Realidad, was released. Later, a song called "El Mono Relojero" became Kapanga's first hit. In August of 1999, Un Asado En Abbey Road came out, followed by Operación Rebenque, issued in November, 2000. That same year, Kapanga had the opportunity to perform at some venues in the U.S., interacting with Latin-rock fans in Miami, Los Angeles, New York, and Chicago.

kapanga - el mono relojero


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Babasonicos - Jessico

Esta banda sorprendió en las radios en 1992 con el hit "De-generación", del álbum "Pasto". Desde hacía unos años estaban trabajando en el underground, con una estética tan cuidada como original. Originarios de Lanús, su nombre es por un lado un homenaje al profeta hindú Sai Baba y por el otro una referencia a Los Supersónicos, el dibujo animado de los '70s. Ese disco debut fue editado por Sony Music Argentina y contó con Gustavo Cerati y Daniel Melero como invitados. Ese mismo año se presentaron como teloneros de Soda Stereo en Obras. A comienzos de 1994 se presentaron como teloneros de INXS y Soul Assylum en el estadio de Velez y de Depeche Mode. Ese año repiten el éxito con "Trance zomba", el segundo disco y el videoclip "Malón". Para este trabajo se incorporó en forma permanente el DJ Peggynn. Se presentaron en Obras como parte del "Nuevo Rock Argentino", en agosto de 1995 y acompañando a Los Brujos y Peligrosos Gorriones. «Lo nuestro -aseguran- es una forma tercermundista de esgrimir el arte: hacemos las cosas como podemos y lo mejor posible. Ambientamos nuestros recitales bien y con pocos recursos, ya que la idea es ser constante con los cambios. Es por eso que nuestros shows son siempre diferentes» (Diario Clarín, 15.07.95). Estos shows fueron una mezcla de hip-hop, soul, pop y hasta música disco y resultaron los más aplaudidos.

• 01. Los Calientes
• 02. Fizz
• 03. Delectrico
• 04. Soy Rock
• 05. Pendejo
• 06. El Loco
• 07. La Fox
• 08. Toxica
• 09. Yoli
• 10. Rubi
• 11. Camarin
• 12. Atomicum

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Babasónicos is an Argentine modern rock band, formed in the early 1990s along with others such as Peligrosos Gorriones and Los Brujos. The lead singer Adrián Dárgelos Rodríguez and the keyboardist Diego "Uma-T" Tuñón initially decided to create a "New Wave" style, which wouldn't follow the established Argentine music. The drummer Diego Castellano (Panza), Adrián's brother Diego Rodríguez (guitarist and lead singer), Mariano Domínguez as guitarist, and Gabriel Manelli as bassist are the first and last formation of the band. In 1994, for Trance Zomba, they incorporated a guest DJ, "DJ Peggyn" who would eventually stay in the band as a member. After emerging in the wave of Argentine New Rock bands of the late 80s and early 90s, Babasónicos became one of the banner groups of the "sonic" rock movement in Argentina of the late 1990s. Their name refers partly to Sai Baba, the indian guru, and partly to The Jetsons, whose spanish version is called Los Supersónicos. Although the band has featured many styles throughout its various albums, after recording Jessico (2001), their recording label Dargelos Inc. decided to forget their past and begin a new career as a typical pop band. Some believe this to be a contradiction with their original tenets, and that Babasónicos has turned into a mainstream marketable band. Their last two records, Infame (2003), and Anoche (2005) are proof that they have reached a broader audience without sacrificing originality or spunk. They collaborated with Ian Brown on a song that bears their name on his album Golden Greats.

Babasonicos - Los Caliente

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Kapanga - Kapangstock

Kapangstock es un disco en vivo grabado durante los shows de Obras y el Pepsi Music del año 2005. Es un recorrido a través de sus 10 años de trayectoria incluyendo sus más grandes éxitos como: El Universal, El Bailarín Asesino, Me Mata, El Mono Relojero, Postal, Fumar, Volá de acá, entre otros. La producción artística estuvo a cargo de Miguel de Luna Campos (guitarrista de la banda) y fue grabado por Gustavo Gauvry. El primer corte del disco,"El Universal", es un tema que refleja la interacción de la banda con su público y que se convirtió en un clásico de todas sus presentaciones en vivo. Cabe destacar que es el primer dvd de la banda, realizado por Farsa Producciones, que además del show en vivo, contiene extras que darán que hablar como: Backstage Obras, Angus Young, Un Mensaje de Buda, Fotos Kapangueras, Cocinando con Kapanga, Colgate con Kapanga, The Guitar Freak Strikes Again, Entrevista Con El Enano Tano, Arco Iris y The Pizza A La Risa Show.

• 01. Rock
• 02. El Universal
• 03. Kapanga/Fumar
• 04. Vola De Aca
• 05. Ramon
• 06. Bailarin Asesino
• 07. Sok La Taberna
• 08. Postal
• 09. Desearia
• 10. Miami (Guarda A La Salida)
• 11. Kapanga En El Camino
• 12. Bisabuelo
• 13. Me Mata
• 14. El Mono Relojero
• 15. Me Autopari
• 16. Niño G (Grupo Karencia)
• 17. Angus Young Con Walter Meza (Bonus Track)
• 18. Los Ojos (Bonus Track)
• 19. Remolino (Bonus Track)
• 20. Arco Iris (Track Interactivo)

Incluye caratulas, bonus tracks y video, copiado desde el CD original y pasado a formato m4a, lo escuchan con Winamp o utilizan el codec AAC para su reproductor.

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From Dusk till Dawn Soundtrack

La historia comienza con los hermanos Seth Gecko (Clooney) y Richard Gecko (Tarantino) huyendo de la justicia. Camino de México, se encuentran con la familia Fuller, a quienes toman como rehenes, y entonces cruzan la frontera. En México, tienen que encontrarse con un contacto, Carlos (Marin) en un bar llamado "Titty Twister". Carlos se encontrará con los hermanos justo antes del amanecer. Sin embargo, una vez dentro, los hermanos Gecko y sus rehenes, la familia Fuller, descubren que los del bar son vampiros, y deben luchar contra ellos hasta el amanecer para sobrevivir.

• 01. Everybody Be Cool - George Clooney
• 02. Dark Night - The Blasters
• 03. Mexican Blackbird - Zz Top
• 04. Texas Funeral - Jon Wayne
• 05. Foolish Heart - The Mavericks
• 06. Would You Do Me A Favor - Juliette Lewis & Quentin Tarantino
• 07. Dengue Woman Blues - Jimmie Vaughn
• 08. Torquay - The Leftovers
• 09. She's Just Killing Me - Zz Top
• 10. Chet's Speech - Cheech Marin
• 11. Angy Cockroaches (Cucarachas Enojadas) - Tito & Tarantula
• 12. Mary Had A Little Lamb - Stevie Ray Vaughn & Double Trouble
• 13. After Dark - Tito & Tarantula
• 14. Willie The Wimp (And His Cadillac Coffin) - Stevie Ray Vaughn & Double Trouble
• 15. Kill The Band - Tom Savini
• 16. Mexican Standoff - Graeme Revell
• 17. Sex Machine Attacks - Graeme Revell

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Easy Star All-Star - Let Down

Exclusivo ..::RokanRoll::..

Tras el aclamado éxito de Dub Side Of The Moon, la versión reggae del LP íntegro de Pink Floyd Dark Side Of The Moon, sus responsables, Easy Star All Stars, se han atrevido a hacer lo propio con otro disco clásico. Esta vez le ha tocado el turno a OK Computer del grupo de pop Radiohead. Pero, atención, que estamos hablando de palabras mayores en el terreno del reggae. En la parte vocal, tenemos nada menos que a Horace Andy, Morgan Heritage, The Meditations, Frankie Paul, Toots Hibert o Sugar Minott. En la parte instrumental, si en Dub Side participaban Victor Rice o Victor Ruggero, en esta nueva aventura aparece otro viejo conocido de la escena reggae neoyorquina, el trombonista Bufford O'Sullivan.

Y aqui su nuevo video:

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