Tito & Tarantula - Little Bitch

• 01. Tito & Tarantula - Everybody Needs
• 02. Tito & Tarantula - Forever Forgotten & Unforgiven
• 03. Tito & Tarantula - Crack In The World
• 04. Tito & Tarantula - Goodbye Sadie
• 05. Tito & Tarantula - Lady Don't Leave
• 06. Tito & Tarantula - Lonely Sweet Marie
• 07. Tito & Tarantula - Crime & Shame
• 08. Tito & Tarantula - Bitch
• 09. Tito & Tarantula - World At My Feet
• 10. Tito & Tarantula - Super Vita Jane
• 11. Tito & Tarantula - Dead Person
• 12. Tito & Tarantula - Silent Train
• 13. Tito & Tarantula - Regresare
• 14. Tito & Tarantula - Piste 14
• 15. Tito & Tarantula - Piste 15

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The Skatalites - Roots Party

Skatalites grabaron alrededor de 30 LP y acompañaron a todo vocalista jamaicano en activo durante su primer periodo. Enseñaron a un joven Bob Marley algunos trucos y fueron la banda de soporte del famoso Studio One. Fueron los causantes de la evolución del Ska al Reggae. Empezó el "rock steady sound", básicamente una versión más lenta del Ska, que apareció en la escena musical jamaicana en el verano de 1964, más tarde nos llevaron a lo que hoy conocemos como el Roots Reggae. Tras la separación oficial de los Skatalites en 1965, cada uno siguió distintos caminos, llevando a cabo proyectos en solitario que duraron alrededor de 20 años hasta la reunión oficial de los Skatalites en el Festival Reggae Sunsplash de Jamaica. Los Skatalites celebraron su 30 aniversario con el lanzamiento de "Hi Bop Ska" y con una gira que les llevó por Norteamérica, Europa y Japón. En 1995 fueron nominados al Grammy en la categoría de mejor álbum de Reggae. En 1996 los Skatalites sacaron otro disco en estudio "Skamania", que significó la vuelta de Tommy McCook después de un largo periodo de reposo debido a una operación de by-pass. Más tarde, Tommy McCook falleció. Los Skatalites forman parte del Reggae Hall of Fame, un reconocimiento por su vida dedicada al mundo del reggae. Componentes: Lloyd Brevett Lloyd Knibb Lester Sterling Cedric 'Im Brooks Will Clark Devon James Ken Stewart Greg Glassman with Doreen Shaffer.

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Fischerspooner - Never Win

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Bob Marley - Satisfy My Soul

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Dave Matthews - In My Life

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R.L Burnside - Hey Bo Diddley

R.L Burnside - Hey Bo Diddley (Live at Upstairs at Nick's - Philadelphia PA (24-10-98)

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Cake - Friend Is A Four Letter Word

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Beck - Girl

Beck Hansen nació y se crió en Los Ángeles. De joven, Beck se interesó por el blues tradicional y el folk. Cuando tenía 18 años se traslado a Nueva York donde participó en la escena “anti-folk” de finales de los 80, tocando en varias salas pequeñas de East Village y Lower East Side. Grabado en 1991, “Loser” se lanzó en 1993. Repleto de pegadizas melodías de guitarra, el estribillo del single, “I´m a loser baby, so why don´t you kill me”, se hizo famoso. El lanzamiento de “Mellow Gold”, su debut con Geffen/DGC Records a comienzos de 1994, fue muy bien recibido por la crítica. El álbum incluía el antes mencionado sencillo, además de “Beercan”, un imprescindible en directo, y mostraba el amor de Beck por todo tipo de música. Elementos de folk, punk, blues, noise y hip-hop conformaban el variado sonido del álbum. Durante este periodo Beck también lanzo dos álbumes independientes: el folk melancólico de “One Foot In The Grave” (K Records) y el experimental “Stereopathetic Soulmanure” (Flipside). En el verano de 1996 se editó Odelay, una sensacional colección de canciones que llevaba su anterior experimentación con sonidos y estructuras a nuevas dimensiones. Odelay fue alabado por la crítica y proclamado álbum del año por las revistas Rolling Stone, Spin, y Village Voice, entre otras. El álbum también le proporciono dos premios Grammy como Mejor Interpretación Alternativa y Mejor Interpretación de Artista Masculino.

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Jon Spencer Blues Explosion - She Said

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Lou Reed - New York City Man

Lou Reed entra en el siglo XXI con su genio y su arte intacto. En este momento de la historia, su producción le sitúa en uno de los lugares más altos de la música, allí donde pocos otros habitan y la mayoría tienen miedo a pisar. Su influencia ha sido profunda desde su primer disco, The Velvet Underground and Nico. Y aunque algunos de sus discos fundamentales hayan tenido un modesto éxito comercial, lo cierto es que han significado para muchos músicos nuevas posibilidades creativas. A lo largo de su carrera, Lou Reed ha sido reconocido como una inspiración fundamental, y ha permanecido como una fuerza constante en un terreno en el que los “genios” vienen y van, víctimas de la moda. El trabajo de Reed ha trascendido el paso del tiempo, con su belleza resplandeciendo bajo terroríficas verdades encerradas en las profundidades. Su capacidad de observación y su potencial para el análisis tienen una puntería tal que, a menudo, se le considera el sujeto de su propio arte. Nosotros creemos totalmente en él. Su compleja visión sobre este mundo prosaico en el que las apuestas siguen subiendo y subiendo y cada vez es más feo y exigente, es el don de un alquimista del rock & roll. La ceniza a la ceniza, el polvo al polvo, el oro de Lou Reed es imprescindible.

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Blur - Coffee & TV

La banda se forma en 1989, en la localidad de Colchester, Inglaterra. Inicialmente, Blur era uno de los múltiples grupos británicos que aparecieron con el éxito de Stone Roses, siguiendo el estilo que marcó este grupo, seudopsicodelia con guitarras pop un poco más potentes de lo normal. Siguiendo una imagen prefabricada, que haría furor a mediados de los 90’, el grupo pasó de ser uno más del montón a ser la banda más popular en U.K., estableciéndose como los herederos del pop tradicional ingles, al lado de The Kinks, Small Face, The Who, The Jam, Madness y The Smiths. Durante el proceso, el grupo abrió las puertas a toda una nueva generación de bandas que se identificaron con lo que fue el Brit Pop. Con las letras retorcidas de Damon Albarn y la maestría del grupo para sonar a la música británica de siempre, Blur se muestran como claros líderes del Brit Pop. Pero rápidamente el Brit Pop se ahogó a si mismo, el estilo no daba manga ancha para la creación de los artistas, estaba demasiado delimitado; y Blur siendo la banda más reconocida del movimiento, casi desaparece cuando la moda brit pasó. Pero la maestría de Blur les lleva a reinventarse, recuperando su posición como un banda de art pop de finales de los 90’ incorporando sonidos mas rock, cercanos a los de artistas independientes, e influencias del rock evasivo americano que comenzaría a pegar fuerte en los USA sobre 1997. Pero el legado de la banda permaneció en la Gran Bretaña, donde ayudaron a revitalizar, en la década de los 90’, el estilo pop lleno de guitarras, diestramente actualizadas, pero con claras raíces del pop tradicional británico. Llamados en un primer momento Seymour, el grupo se formó en Londres en 1989 por el teclista y vocalista Damon Albarn, el guitarrista Graham Coxon, y el bajista Alex James, con la unión al trío del batería Dave Rowntree comenzaron a tocar en pubs poco después. Tras realizar un buen puñado de conciertos y grabar una maqueta, la banda firmó por el sello Food Records, filial de EMI, dirigido por el periodista Andy Ross y creado por el teclista de Teardrop Explodes, Dave Balfe. Balfe y Ross sugirieron a la banda cambiar el nombre, para lo que escribieron una lista de nombres alternativos para la aprobación del grupo. De esa lista, el grupo eligió el de Blur.

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Yerblues - Rock & Roll Circus

John Lennon, Eric Clapton & Keith Richards - Yerblues (Rock & Roll Circus)

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Johnny Winter - Johnny B Good

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Enrique Bunbury

Enrique Bunbury - El viaje a ninguna parte

Enrique: Nacido el 11 de agosto de 1967 en Zaragoza Enrique Ortiz de Landázuri Izardui, más conocido en el mundo artístico como Enrique Bunbury, comenzó su andadura musical a la temprana edad de los 12 años cuando pudo comprarse la que sería su primera guitarra con cinco mil pesetas que había logrado ahorrar. Con dicha guitarra entró en 1980 en el grupo zaragozano Apocalipsis. Entre 1981 y 1983 cantó y tocó la batería en un nuevo grupo: Rebel Waitz, con los que particpó en el concurso municipal de rock de Zaragoza en 1982. Bunbury se vio obligado a cantar porque en la banda no había nadie que lo hiciera, aunque la voz de Bunbury en esos comienzos no se puede decir que fuera un deshecho de virtudes sino más bien todo lo contrario. A los 14 años ya había compuesto el tema Maldito duende y a los 16 años inicia sus contactos con el mundo del cabaret, relación que se manifestaría con posterioridad en sus trabajos en solitario. Bunbury con un carnet de identidad falsificado entraba en locales de Zaragoza como el Oasis o el Plata y disfrutaba de la música de salón, las coplas e incluso algún que otro strip tease. En 1984 entró en un nuevo grupo: Proceso Entrópico, en el que pasó a tocar el bajo y seguía cantando. En 1985 nueva banda: Zumo de vidrio donde continúa tocando el bajo. En 1986, increible, pero vuelve a cambiar de banda: La censura de los cuentos donde continúa con el bajo y vuelta otra vez a cantar. También en 1986 canta para el grupo Tres años de pena, pero entonces Bunbury ya le ha tomado el punto a lo de las voces y el público comienza a darse cuenta y a apreciar ese tan peculiar estilo. En 1987 toca la guitarra en un grupo zaragozano de cierto renombre Niños de Brasil y aparece en el CD. Del amor y del odio. A Bunbury sin embargo ya le llevaba rondando por la cabeza formar su propia banda junto a su amigo Juan Valdivia y por fin en 1987 el sueño ve la luz cuando alcanzan la que sería la definitiva formación de los Héroes del Silencio.

• 01. Enrique Bunbury - Que Tengas Suertecita
• 02. Enrique Bunbury - Restos del Naugragio
• 03. Enrique Bunbury - Rescate
• 04. Enrique Bunbury - Que No Sepa Tu Mano Izquierda lo Que Hace la Derecha
• 05. Enrique Bunbury - Carmen Jones
• 06. Enrique Bunbury - Que Queda Por Vivir
• 07. Enrique Bunbury - Chica Triste Que Te Hacía Reir
• 08. Enrique Bunbury - Anidando Liendres
• 09. Enrique Bunbury - No Me Llames Cariño
• 10. Enrique Bunbury - Adiós, Compañeros, Adiós
• 11. Enrique Bunbury - Anzuelo
• 12. Enrique Bunbury - Una Canción Triste
• 13. Enrique Bunbury - En la Pulpería de Lucita
• 14. Enrique Bunbury - Por un Malnacido
• 15. Enrique Bunbury - Voces de Tango
• 16. Enrique Bunbury - Palo de Mayo
• 17. Enrique Bunbury - Trinidad
• 18. Enrique Bunbury - Señorita Hermafrodita
• 19. Enrique Bunbury - Aragonés Errante
• 20. Enrique Bunbury - Canto (El Mismo Dolor)

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R.L Burnside - Mr. Wizard

• 01 - RL Burnside - Over the Hill
• 02 - RL Burnside - Alice Mae
• 03 - RL Burnside - Georgia Women
• 04 - RL Burnside - Snake Drive
• 05 - RL Burnside - Rollin' & Tumblin'
• 06 - RL Burnside - Out on the Road
• 07 - RL Burnside - Highway 7
• 08 - RL Burnside - Tribute to Fred
• 09 - RL Burnside - You Gotta Move

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Mirah - C'mon Miracle

• 01 - Mirah - Nobody Has to Stay
• 02 - Mirah - Jerusalem
• 03 - Mirah - The Light
• 04 - Mirah - Don't Die in Me
• 05 - Mirah - Look Up!
• 06 - Mirah - We're Both So Sorry
• 07 - Mirah - The Dogs of Buenos Aires
• 08 - Mirah - The Struggle
• 09 - Mirah - You've Gone Away Enough
• 10 - Mirah - Promise to Me
• 11 - Mirah - Exactly Where We're From

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Escuchar el tema: The Light
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The Black Crowes - Only A Fool

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Beatles - Two of us

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Beasty Boys - Sabotage

En 1981 Beastie Boys eran: Adam Yauch (a/k/a MCA) en el bajo, Kate Schellenbach en la batería (después de Luscious Jackson), John Berry en la guitarra y Mike Diamond (a/k/a Mike D); así hicieron su micro-debut en la fiesta de cumpleaños de Adam. Después de esto, la banda hizo varias apariciones públicas en diferentes bares y discotecas de Estados Unidos. En 1982 la banda graba Pollywog Stew 7", el cual se convierte en uno de los discos más solicitados en New York. También se convierte en el primer álbum lanzado por la disquera de Dave Parsons, Ratcage Records. En 1983 lanzan The Cooky Puss 12”. Adam Horovitz (a/k/a Adrock) toma el lugar de John Berry. Horovitz tocaba la guitarra en una banda llamada The Young & The Useless, la cual abrió algunos de los shows de Beastie Boys en los primeros días. “Cooky Puss” se convirtió en la primera canción de Beastie Boys en ser tocada en los clubs de New York, en esos días la banda da algunos shows fuera de la ciudad. En 1984 Beastie Boys debutan con "Rock Hard"/"Beastie Groove" 12". Producido por Rick Rubin a/k/a DJ Double R, a la vez que es reclutado por la banda para ser su DJ. Poco tiempo después cambian su nombre, en esa época serían conocidos como Fat Boys.

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AC/DC - Hail Caesar

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Eagles - Hotel California

En la primera parte de los años 70’, una incontable cantidad de músicos emigraron para Los Angeles, atraídos por el rugido de la guitarra acústica y la iluminación de las armonías tipo country. Las discotecas de West Hollywood estaban llenas de la descendencia de los Byrds y de Buffalo Springfield (cantantes de música típica y de country) creando un nuevo y relajado sonido del sur de California. Algunos de los participantes regulares de la nueva onda fueron Randy Meisner, Don Henley, Glen Frey y Bernie Leadon. Conociéndose durante locas noches en la discoteca “Troubadour” de Los Angeles, fueron primero unidos por un productor que los juntó para tocar en la banda de Linda Ronstadt. Poco después, formaron un grupo que dominaría los rankings por ocho años. Llegaron a ganar cuatro Grammys y un lugar en el salón de la fama del rock n’ roll. Queriendo tener un nombre que sonara en su momento místico, espiritual y algo como los Beatles, se llamaron los Eagles. Bajo la organización de David Geffen y en la lista de su empresa discográfica Asylum, armaron su álbum debut de 1972 llamado “Eagles” en los estudios Plympic de Londres, con Glyn Johns haciendo de productor. Pegajosas canciones como “Take It Easy”, “Witchy Woman” y “Peaceful Easy Feeling” eran refrescantes y sin la política que había dominado la música durante los años 60’

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Chuck Berry - Johnny B.Good

Chuck Berry - Johnny B.Good (Live Beat - Club 1972)

Como sabiamente dijo John Lennon, si alguna vez el rock'n'roll tuviese que cambiar de nombre, se rebutizaría Chuck Berry, porque seguramente, si Elvis Presley es el rey, este espigado cantante guitarrista y compositor negro es el padre del rock. Basta decir, que sin su esencial presencia no existiría la música moderna tal como la entendemos ahora. Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en la ciudad de St. Louis, estado de Missouri (otras fuentes citan como su lugar de nacimiento a San José, en California), hijo de un contratista y diácono baptista llamado Henry y una profesora llamada Martha. Desde su infancia tendió al cultivo melómano del blues, las melodías de Nat King Cole (uno de sus grandes ídolos) y el hillbilly, a la vez que desarrollaba un notable talento para la escritura poética. Tambien tenía tiempo para meterse en líos y acabar en un reformatorio por robo de armas. En un local llamado Cosmopolitan Club y tras casarse en 1948 con Themetta Suggs fundó su primera banda, The Chuck Berry Trio (ex Sir John Trio), compuesta por Berry a la guitarra, Ebby Hardy a la batería y Johnny Johnson al piano, este último era el primer líder de la banda antes de la incorporación de Chuck. A comienzos de la década de los 50, las actuaciones del terceto resultaron todo un éxito entre la comunidad negra, los primeros en admirar su capacidad de trasladar los fraseos del country al R&B, creando unas composiciones de ritmo jovial y alma juvenil caracterizadas por unos infecciosos y adhesivos riffs.

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Jamiroquai - Virtual Insanity

Jamiroquai le ha dado un giro funk a nuestras vidas durante la década de los 90. Durante este tiempo su música se convirtió en un género único e incomparable. Han superado ampliamente los 11 millones de copias vendidas, y se han convertido en uno de los grupos cuyos espectáculos en directo son los más solicitados del mundo. El estilo de su música inspirada en los ritmos funk, jazz y dance no puede ser fácilmente catalogado por los expertos en música trainspotting. Pero en 1.996, con el lanzamiento de su álbum "Travelling Without Moving" se pone de manifiesto que este hecho a nadie parece importarle. De hecho más de 7 millones de personas de todo el mundo, fans de la música tradicionalmente definida como "música negra" y "música blanca" así lo demostraron, comprando el álbum. Jamiroquai fue galardonado con varios premios, incluyendo un Grammy y otros tantos concedidos por la cadena MTV. En 1.998, Jay Kay y su grupo vieron como llegaban a alcanzar el nº 1 en las listas de UK con su tema "Deeper Underground", llegando a contarse hasta 12 de sus temas entre los UK TOP 30. Jamiroquai se formó en 1.992 y crearon toda una conmoción en la escena musical underground, a partir del momento en que se editó su tema "When You Gonna Learn?", en un sello independiente londinense, denominado Acid Jazz. A finales del mismo año Jamiroquai había conseguido revitalizar la escena de los clubes, hasta ese momento dominada por músicos anónimos y cantando con unos rostros tan desechables como sus propias letras. No solo los adictos al soul, funk, dance o R & B sabían que estaba ocurriendo algo importante. Después de una guerra de ofertas entre las compañías discográficas, Jamiroquai firmó un contrato por 8 discos con Sony Music. Todo el mundo estaba de acuerdo en que el carismático Jay Kay y su grupo tenían talento, originalidad y calidad como para tener una carrera muy larga por delante. Jason Kay creador de Jamiroquai, es polémico, charlatán y controvertido, pero también honesto y apasionado, aunque a veces demasiado para sus propios intereses. Tras una gran campaña publicitaria en los medios de UK surgió el lanzamiento de su album "Emergency On Planet Earth" que llegó a alcanzar el primer puesto dentro del ranking de UK en Junio de 1.993, convirtiendo rápidamente a Jamiroquai en el nº 1.

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Macy Gray - The Very Best Of

Macy Gray es una artista extraordinaria con una voz única. Aprovecha las raíces de la vieja escuela del funk y el soul, mezclándolos con influencias contemporáneas para crear algo totalmente original. Nacida y criada en Canton, Ohio, Macy Gray creció bajo la influencia de la colección de discos de sus padres hasta que el Hip Hop llegó a su instituto. Entonces abrazó el rock durante dos años mientras asistía a una escuela cercana sólo para blancos. Mientras estudiaba para guionista en la USC Film School, Macy Gray salía con una panda de amigos músicos que le pedían letras. Una noche, cuando el cantante no apareció en el estudio de grabación, ella ocupó su puesto. Según fue circulando la demo, comenzaron a llegar las llamadas sobre su extraordinaria voz. Comenzó entonces a grabar con más frecuencia y se unió a una banda de jazz en el circuito de hoteles de Los Ángeles. La música de Macy comenzó a hacerse imprescindible en muchos atascos, cuartos de estar, estudios, salas de ensaño e incluso llegó a crear su propia banda after-hours: The We Ours. The Hollywood Coffee Shop comenzó a hacerse legendario y ayudó a Macy en su oficio. El álbum debut de Macy Gray, "On How Life Is" comenzó a venderse modestamente, pero una impresionante campaña de boca a boca, emprendida por todo aquel que escuchaba su música consiguió elevar al disco a los primeros puestos de las listas de ventas de medio mundo. El disco fue grabado con sus viejos amigos compositores, Darryl Swann y Jeremy Ruzumma, sus amigos DJ Kiilu y Arrik Marshal (ex componente de Red Hot Chili Peppers) y el productor Andrew Slater, amigos que en ningún momento pusieron en duda el éxito musical de esta cantante. En 2001 edita su segundo trabajo, este álbum sería la continuación de su álbum debut “On How Life Is”, y saldría a la luz bajo el título "The Id". El disco fue producido por Rick Rubin y colaboraron artistas de la talla de John Frusciante (Red Hot Chili Peppers) a la guitarra, Erykah Badu en los coros o Billy Preston al órgano. Una buena mezcla de soul, funk, R & B, blues y rock. Es con este trabajo con el que Macy Gray roza el cielo, y su fusión casi divina de los estilos.

• 01 - Macy Gray - Try Album Version
• 02 - Macy Gray - Do Something
• 03 - Macy Gray - Still
• 04 - Macy Gray - Why Didn't You Call Me
• 05 - Macy Gray - I've Committed Murder
• 06 - Macy Gray - Sexual Revolution
• 07 - Macy Gray - Sweet Baby- Featuring Erykah Badu
• 08 - Macy Gray - Boo
• 09 - Macy Gray - When I See You
• 10 - Macy Gray - It Ain't The Money- Featuring Pharoahe Monch
• 11 - Macy Gray - She Ain't Right For You
• 12 - Macy Gray - Love Is Gonna Get You
• 13 - Macy Gray - Walk This Way
• 14 - Macy Gray - Demons- Featuring Fatboy Slim
• 15 - Macy Gray - When I See You Bugz In The Attic Remix 632
• 16 - Macy Gray - I've Committed Murder Gang Starr Remix - Featuring Mos
  

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Fun Lovin' Criminals

Fun Lovin' Criminals - Come Find Yourself

Formados en 1993, el trío de Nueva York Fun Lovin' Criminals, conquistaron las listas alternativas de ventas gracias a una mezcla de hip hop al estilo Beastie Boys, sonidos alternativos y ritmos blues-soul-funk. El grupo se compone en un principio por el bajista Fast y el baterista Steve; el dúo comenzó como un grupo techno, pero tras mudarse a Nueva York, conocen al vocalista y guitarrista Huey que es inmediatamente fichado. FLC toca por todos los garitos de la ciudad (que no son pocos) y finalmente consigue editar su disco debut homónimo en 1995 de la mano del sello Silver Spotlight. El éxito moderado del disco es lo suficientemente importante como para que al año siguiente firmaran con Capitol, con la que lanzaron su primer éxito internacional, "Scooby Snacks", single que se incluiría en el disco “Come Find Yourself”. “100% Colombian” se editaría en 1998. Debido a que su anterior trabajo tiene mayor repercusión en Europa que en su país natal deciden componer las canciones más al estilo que gustaba a los británicos, lleno de humor, letras divertidas, parodias gangsteriles, chistes sobre drogas... y sobre todo más funk, con ritmos rap y ciertas referencias a la cultura pop. Tras la edición de un disco en directo, “Mimosa” pasan tres años hasta su siguiente lanzamiento. En 2001 editan “Loco”, que recuerda a las canciones de sus primeros tiempos. Este disco, muy ambicioso, combina ritmos funky, sonidos punk, baladas tipo country y exóticos sabores latinos, con sus divertidas fábulas de la vida nocturna y los bajos fondos narradas a un sinfín de ritmos.

• 01. Fun Lovin' Criminals - The Fun Lovin' Criminal
• 02. Fun Lovin' Criminals - Passiveaggressive
• 03. Fun Lovin' Criminals - The Grave And The Constant
• 04. Fun Lovin' Criminals - Scooby Snacks
• 05. Fun Lovin' Criminals - Smoke 'em
• 06. Fun Lovin' Criminals - Bombin' The L
• 07. Fun Lovin' Criminals - I Can't Get With That
• 08. Fun Lovin' Criminals - King Of New York
• 09. Fun Lovin' Criminals - We Have All The Time In The World
• 10. Fun Lovin' Criminals - Bear Hug
• 11. Fun Lovin' Criminals - Come Find Yourself
• 12. Fun Lovin' Criminals - Crime And Punishment
• 13. Fun Lovin' Criminals - Methadonia
• 14. Fun Lovin' Criminals - I Can't Get With That (Schmoove Version)
• 15. Fun Lovin' Criminals - Coney Island Girl

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Millencolin - kemp

Erik, Mathias y Nikola comenzaron con la banda en Octubre del 92 en Örebro, Suecia, entonces ellos tocaban en otras bandas punk y cantaban en sueco. Erik tocaba la guitarra en Charles Hårfager, y Nikola y Mathias tenían una banda llamada Seigmenn. Todos comenzaron a salir a hacer skate por el 87 y se metieron en bandas punk como Operation Ivy, Mc Rad, Descendents y Odd Man Out de videos de Skate. Entonces decidieron comenzar una banda skaterock y sacaron el nombre del truco "melancholy" ("melancolía"), pero le cambiaron la ortografía para que sonara como el nombre de una banda.

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A Punk Tribute To AC/DC

• 01 - Various - The Vibrators - Rocker
• 02 - Various - The Skulls - Shot Down In Flames
• 03 - Various - Groovie Ghoulies - Rock `N` Roll Damnation
• 04 - Various - Day Glo Abortions - The Jack
• 05 - Various - Angry Samoans - Highway To Hell
• 06 - Various - Dr. Know - Rock `N`Roll Damnation
• 07 - Various - Peni5 - Riff Raff
• 08 - Various - The Dwarves - Big Balls
• 09 - Various - Agression - Touch Too Much
• 10 - Various - z z z - Shag A Leg
• 11 - Various - Flipper - Problem Child
• 12 - Various - Damnation Of Chaos - Back In Black
• 13 - Various - Jack The Crack - For Those About To Rock (We Salute You)

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Janis Joplin - Maybe

Para mucha gente, Janis Joplin es sólo un nombre en la lista de los muertos más alabados de la música rock. A menudo, sólo se habla de ella como parte de una pequeña lista de inmortales de los años 60 - Hendrix, Morrison, Joplin - quienes chocaron y se quemaron junto con la década que les hizo famosos. Tema de un buen número de biografías, su música suele ocupar un segundo plano en estos trabajos (y en los artículos retrospectivos sobre esta época) para centrarse en su particular estilo de vida: su imagen de mujer dura, el alcoholismo, sus aventuras sexuales y su adicción a las drogas convirtieron a Janis en un tipo de mujer nada habitual en aquella época. Sus conductas y su estilo de vida eran una manifiesta actitud contra la hipocresía de la sociedad conservadora en la que vivía . Todo esto sorprende aún más si, profundizando en su personalidad, descubrimos que Janis era una persona tremendamente sensible. Lo esencial de su carrera musical, si se toma como punto de referencia su época con Big Brother & The Holding Company, duró escasamente cuatro años. Sin embargo, durante ese tiempo creó un trabajo magnífico que supera sobradamente lo negativo que se escribió sobre ella y sobrevive como recuerdo de lo que fue y pudiera haber seguido siendo. La cantante blanca más grande de blues y de soul de su generación nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, Texas. A los 17 años, empezó a cantar música folk en los escenarios de los cafés de Houston y Austin. Durante su primera visita a la Costa Oeste, conoció al futuro guitarrista de la Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen, quien le acompañó a la guitarra en Trouble In Mind, una interpretación de un clásico del blues. En 1966 vuelve al Bay Arena, invitada a acompañar a los músicos Peter Albin, David Getz, James Gurley y Sam Andrew, quienes buscaban una cantante para su grupo de rock, Big Brother & The Holding Company. Aunque el grupo surgió de la misma época fértil y sicodélica en San Francisco, de la cual también nacieron los Grateful Dead y Jefferson Airplane, Big Brother tenía unas raíces más profundas y fue el vehículo perfecto para la inigualable voz de Joplin.

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Tributo reggae a The Beatles.

Album verde - tributo reggae a The Beatles.

El Album Verde, tributo reggae a The Beatles se grabó en los estudios Afro de Lanús, entre los meses de julio a diciembre de 2005 en un clima absolutamente distendido. El fin de la obra es que ambos públicos, los del género reggae como así también los amantes de los Beatles se conozcan entre si. El disco, como idea principal iba a ser solo con bandas nacionales, pero en poco tiempo pasó a ser internacional. A las mejores bandas del ámbito local: Mimi Maura, Dancing Mood, Nonpalidece, Resistencia Suburbana, Holy Piby, Fidel Nadal, etc. se le sumaron grandes figuras del exterior, tal el caso de los mismísimos Skatalites de Jamaica (banda creadora del genero ska, la primer banda de Bob Marley), Gondwana de Chile, Planta & Raiz de Brasil, ambas son las más representativas del reggae en sus respectivos países, Pushin (Costa rica reggae all stars) de Costa Rica y Antidoping de México. Los temas elegidos y sus versiones son muy variados dentro de los subgéneros que existen dentro del reggae, cada banda eligió su tema y aplicó su propio estilo para versionarlo. La producción artística estuvo a cargo de Hernán Sforzini (percusión de Holy Piby), la producción ejecutiva a cargo de Maximiliano Garizzio y el arte y diseño web lo llevó a cabo León Gonzáles para Ovnibus96 (digipack con un libro de 18 páginas). El técnico de grabación, mezcla y masterización fue Nicolás Bernal y como asistentes de grabación estuvieron: Ignacio Sar, Diego Hilal y Martín Loiseau, las fotos estuvieron a cargo de Mafe, Marina Fages, Santiago Candelmo y Facundo Sosa. El arte digital y track interactivo corrió por cuenta de Maldito Maus.

Mas info.
http://www.elalbumverde.com.ar/

The Green Album, tribute reggae to The Beatles was recorded in the studies Afro de Lanús, between the months of July to December of 2005 in a climate absolutely distendido. The aim of the work is that both public, those of the sort reggae as thus also the lovers of the Beatles know themselves between if. The disc, as it devises main were going to be single with national bands, but in just a short time happened to be international. To the best bands of the local scope: Mimi Maura, Dancing Mood, Nonpalidece, Suburban Resistance, Holy Piby, Fidel Nadal, etc. added great figures to him of the outside, so the very same case of the Skatalites of Jamaica (creative band of I generate ska, the first band of Bob Marley), Gondwana of Chile, Planta & Raiz of Brazil, both are most representative of reggae in their respective countries, Pushin (Costa Rica reggae all stars) of Costa Rica and Antidoping of Mexico. The chosen subjects and their versions very are varied within the subgenera that exist within reggae, each band chose its subject and applied its own style to versionar it. The artistic production was in charge of Hernán Sforzini (percussion of Holy Piby), the executive production in charge of Maximiliano Garizzio and the art and design Web carried out Leon Gonza'les to it for Ovnibus96 (digipack with a book of 18 pages). The recording technician, mixes and masterización was Nicholas Bernal and as attending of recording they were: Ignacio Sar, Diego Hilal and Martín Loiseau, the photos were in charge of Mafe, Fages Navy, Santiago Candelmo and Insipid Facundo. Interactive the digital art and track were the responsibility of Damn Maus.

• 01- She Came in Trough the Bathroom Window - Mimi Maura
• 02- From me to You - Fidel Nadal + Holy Piby
• 03- Something - Natty Combo
• 04- Eleanor Rigby (Dub) - Antidoping (Mexico)
• 05- Lady Madonna - Gondwana (Chile)
• 06- While my Guitar gently Weeps - Holy Piby
• 07- Come Togheter (Togheta') - Pushin (Costa Rica)
• 08- Eleanor Rigby - Nonpalidece
• 09- I Will - Movimiento Urbeno + The Skatalites
• 10- Taxman - Resistencia Suburbana
• 11- Here Comes the Sun - Riddim
• 12- Because - Satelite Kingston
• 13- Come Togheter - Alika & Nueva Alianza
• 14- Don't let me Down - Planta & Raiz (Brasil)
• 15- The long and Winding Road -Dancing Mood
• 16- (Bounus Track) - I'm Only Sleeping - Blues Motel

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Amores Perros Soundtrack

Muchos creen que el soundtrack de una pelicula no es importante, directores como Quentin Tarantino no lo creen asi, para que una pelicula sea 100% exitosa, para nosotros el publico, es importante identificar esos momentos clave en escena con una buena canción, es como si se pensara en hacer la pelicula despues de elaborar el soundtrack. hay peliculas muy famosas por su soundtrack, tal es el caso de Trainspotting, Requiem For a Dream, Kill Bill, Reservoir Dogs, Run Lola Run, entre muchas. Esta es una de la más destacada obra cinematograficas que han demostrado la pujante presencia, dramática y cultura que tiene en esta época el cine Mexicano. Desarrollando tres historias paralelas y relacionadas entre sí, es un sólido cuadro social de la vida cotidiana en Ciudad de México, con su mezcla de tradiciones y creencias seculares, su poderosa cultura y la violencia de una metrópoli que tiene duras reglas de testimonio popular, entre lo mágico, lo marginal y lo delictual. La pelicula de Amores Perros, entre sus tres historias, se escuchan a artistas tales como; Ely Guerra, Dover, Control Machete, Zurdok, la famosisima Celia Cruz, y los renombrados Tacvbos, con su cancion, Avientame. Van a disfrutar este soundtrack, para los que ya lo han escuchado, saben de que estoy hablando.

• 01. Various Artists - Tema Amoras Perros - Gustavo Santaolalla
• 02. Various Artists - Si Senor - Control Machete
• 03. Various Artists - Lucha De Gigantes - Nacha Pop
• 04. Various Artists - El Afiche - Gs
• 05. Various Artists - La Vida En Un Carnaval - Celia Cruz
• 06. Various Artists - Memorias - Gs
• 07. Various Artists - Corazon - Titan
• 08. Various Artists - Quibre Fuego Y Revelacion - Gs
• 09. Various Artists - Coolo - Illya Kuryaki And The Valderramas
• 10. Various Artists - Un Amor Encontrado - Gs
• 11. Various Artists - Long Cool Woman (In A Black Dress) - The Hollies
• 12. Various Artists - La Cumbia Del Garrote - Los Del Garrote
• 13. Various Artists - Chivo Groove - Gs
• 14. Various Artists - Dame El Poder - Banda Espuela De Oro
• 15. Various Artists - El Apartamento - Gs
• 16. Various Artists - Pesada - Control Machete
• 17. Various Artists - Tema Amores Perros + Atacama - Gs
• 18. Various Artists - Lucha De Gigantes - Fiebre
• 19. Various Artists - Me Van A Matar - Julieta Venegas
• 20. Various Artists - Avientame - Cafe Tacvba
• 21. Various Artists - Doggod - Cafe Tacvba
• 22. Various Artists - Stop, Muerte - Illya Kuryaki And The Valderramas
• 23. Various Artists - Una Vez Mas - Zurdok
• 24. Various Artists - De Perros Amores - Control Machete
• 25. Various Artists - Love Is A Bitch - Dover
• 26. Various Artists - Perro Amor Explota - Bersuit Vergarabat
• 27. Various Artists - Dime Cuando Comenzo El Dolor - Ely Guerra
• 28. Various Artists - Tienen El Odio Enjaulado - Fiebre
• 29. Various Artists - Lado Animal - Moenia
• 30. Various Artists - Que Aranan Las Entranas - Banda Espuela De Oro

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Joe Bonamassa.

Joe Bonamassa - Had to Cry Today.

Joe ha sido todo un niño prodigio. Empezó a tocar la guitarra a los 4 años. A los siete ya consiguió un más que aceptable nivel y a los 8 empezó a tocar blues con la madurez de un veterano. Durante sus años de aprendizaje, influyeron guitarristas como Stevie Ray Vaughn y maestros del blues como Duke Robillard, Danny Gatton, Robben Ford y, por descontado, Eric Clapton. A los 10 años, empezó a desarrollar sus habilidades en directo en su entorno más cercano. Cuando tenía 12 años se le presentó la oportunidad de abrir una actuación donde intervenía el mismísimo B. B. King, quien tuvo palabras de elogio para, el por aquel entonces, prometedor adolescente. En los siguientes años, dedicó largas horas a perfeccionar su estilo, se trasladó a California y fue encontrando a los músicos que formarían parte de su primer proyecto. Curiosamente, sus compañeros de banda en aquellos momentos llevaban todos ilustres apellidos, Berry Oakley Jr. (hijo del legendario bajista de los Allman Brothers); Waylon Krieger, hijo de Robby Krieger, guitarrista de The Doors y Erin Davis, hijo de Miles Davis, que se encargaba de la batería. El grupo se denominó Bloodline y editó un álbum homónimo a través de EMI que contó con la intervención especial del guitarrista de Allman Brothers, Warren Haynes. A pesar del éxito inicial, un grupo de gente de tanto carisma era difícil de retener y al poco tiempo la banda se disolvió. Esta es una inmejorable colección de canciones para descubrir las influencias provenientes de Chicago, lo mejor del blues del delta y del blues británico, así como la música de los años 40 y 50 de BB King, Muddy Waters, Buddy Guy y la invasión inglesa musical con Yardbirds, Eric Clapton y Cream, al estilo único de Joe, con una elaborada modernización del género.

• 01. Joe Bonamassa - Never Make Your Move Too Soon
• 02. Joe Bonamassa - Travellin' South
• 03. Joe Bonamassa - Junction 61
• 04. Joe Bonamassa - Reconsider Baby
• 05. Joe Bonamassa - Around The Bend
• 06. Joe Bonamassa - Revenge Of The 10 Gallon Hat
• 07. Joe Bonamassa - When She Dances
• 08. Joe Bonamassa - Had To Cry Today
• 09. Joe Bonamassa - The River
• 10. Joe Bonamassa - When The Sun Goes Down
• 11. Joe Bonamassa - Faux Mantini

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Tom Petty

Tom Petty - Mary Jane's Last Dance.

Cuando lanzaron su primer disco a principios de los 70´, Tom Petty & the Heartbreakers fueron incluidos dentro del nuevo movimiento punk. Pero si nos fijamos con más detalle su música tenía una energía diferente, más eléctrica, con unos riffs más cercanos a los Byrds que al movimiento en el que se les había encasillado. En comparación al heavy metal y al rock que dominaba la época, los Heartbreakers tenían un sonido más clásico, más próximo al autentico rock, y las críticas fueron poco a poco distanciándoles de los movimientos de esos años. Los Heartbreakers fueron contemporáneos de la invasión británica, del garaje americano y del renacimiento de los cantautores, pero no fueron identificados con ninguno de estos estilos, más bien crearon un sonido distintivo, híbrido entre todos estos movimientos pero en coalición con la música de las décadas anteriores. The Heartbreakers fue todo un éxito, una banda versátil que venia de la mano de las canciones compuestas por Petty, catalogado como un soñador y un perdedor de clase media. Mientras que su voz, nasal para más información, recordaba a Dylan o a Roger McGuinn, sus temas eran directos, sencillos, sin tapujos, más al estilo de Neil Young. A lo largo de su carrera Petty & the Heartbreakers nunca cambiaron las señales distintivas de su música, pero si han sido capaces de ampliar horizontes con sonidos más brillantes, psicodélicos, sureños y con influencias del New Wave. Ellos han sido también uno de los pocos grupos de típico R´n´R que han visto con buenos ojos el hecho de grabar videos, filmando algunos de los mas imaginativos y populares de la historia de la MTV. Su frescura, su capacidad de investigación y experimentación dentro del clásico estilo del rock & roll han hecho que Petty siga siendo uno de los artistas más populares de nuestros días.

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Smashing Pumpkins - 1979

Los Smashing Pumpkins están considerados actualmente como uno de los grupos de rock más influyentes del mundo. La combinación de su talento y ambición les ha conducido hacia su grandeza. Billy Corgan nació en Chicago, pero vivió en distintos sitios a raíz de la separación de sus padres cuando era muy joven. Su padre tocaba la guitarra, pero sin embargo la aspiración musical de Billy no nació hasta que tuvo catorce años, cuando probó la guitarra eléctrica de un amigo. En 1987, Billy conoció a un guitarrista que compartía con él su gusto por Led Zeppelin y Black Sabbath. Este guitarrista era un japonés-americano llamado James Iha. La bajista, D'Arcy Wretzky, fue la siguiente en unirse a ellos. Y finalmente, después de usar en sus inicios una caja de ritmos, se incorporó también al grupo un batería de jazz llamado Jimmy Chamberlin. Chicago era una difícil ciudad para que los Smashing se dieran a conocer. Siendo una ciudad más conocida por la presencia de otro tipo de rock, con bandas como "Ministry" y "Urge Overkill", el grupo se sentía fuera de lugar. "I Am One" fue su single de debut, lanzado en un sello independiente local. Pero al influyente sello de Seattle, Sub Pop, les gustó y les ofrecieron lanzar su siguiente single. Pronto vendría el primer álbum de la banda, "Gish". Este LP fue producido por Butch Vig, quien más tarde produciría el "Nevermind" de Nirvana (y que actualmente es el batería de Garbage). El problema de "Gish" es que fue lanzado al mismo tiempo en que Nirvana estaba oscureciendo a cualquier otra banda de rock en todo el mundo, por lo que tuvo que ser relanzado a finales de 1991, y al poco tiempo, a principios del 92, editaban ya el EP "Lull", cuya canción clave era "Rhinoceros". Una intensa gira en ese año 92 y un tema en la banda sonora de la película "Solteros" ("Singles"), junto a grupos como Pearl Jam y Soundgarden, les ayudó a darse a conocer, y ya empezaban a ser considerados por aquel entonces como una banda importante dentro del movimiento grunge.

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Van Halen's Hot For Teacher

Los hermanos Edward y Alex Van Halen nacieron en Holanda y después su familia se trasladó hacia Pasadena, California cuando ellos eran aun niños. Aunque ambos tomaban clases de piano clásico, fue la música pop la que les atraía más. Originalmente, Alex tocaba la guitarra y Eddie la batería. Pero mientras Eddie salía a comprar unas revistas, Alex practicaba con la batería y pronto excedió a las habilidades de su hermano. Al darse cuenta Eddie, decidió tocar el la guitarra. En sus años de preparatoria los dos tocaban en varias bandas locales, y conocieron luego a David Lee Roth quien cantaba en una banda local llamada "Red Ball Jets". Como a Eddie no le gustaba la idea de cantar, convenció a David para que ingresara a su banda. Luego conocieron a un bajista de una banda llamada Snake que impresiono a los 3, al punto de pedirle que se uniera a ellos. Al principio se llamaban "Mamooth" hasta que en 1976 descubrieron que otra banda se llamaba también Mamooth y decidieron cambiar su nombre por el de Van Halen. Ese mismo año, Gene Simmons del grupo KISS escuchó a la banda tocar en un pequeño club y les ofreció producirles varios maquetas. Ted Templeman (productor de la casa Warner Brothers) escucho a la banda y convenció a Mo Osting (ejecutivo de la compañía) de firmarles. Van Halen impacto en un mundo ávido por escuchar nueva música a fines de los 70, con su primer larga duración, y en especial con el tema “Eruption” y una banda integrada en un principio por los hermanos Eddie y Alex Van Halen, el bajista Michael Anthony, y el vocalista David Lee Roth. Esta formación trajo la atención de muchas seguidoras que quedaron enganchadas con el carismático vocalista, y los músicos en su particularidad Eddie Van Halen quien introdujo nuevas técnicas en la guitarra, para el publico general de los Rockanrolleros. Es así como el álbum Van Halen I, es considerado como una de las mas importantes grabaciones de Rock, de los años 70.

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AC/DC - Back in Black

• 01 - ACDC - Hells Bells
• 02 - ACDC - Shoot To Thrill
• 03 - ACDC - What Do You Do For Money Honey
• 04 - ACDC - Givin The Dog A Bone
• 05 - ACDC - Let Me Put My Love Into You
• 06 - ACDC - Back In Black
• 07 - ACDC - You Shook Me All Night Long
• 08 - ACDC - Have A Drink On Me
• 09 - ACDC - Shake A Leg
• 10 - ACDC - Rock And Roll Ain't Noise Pollution

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Mars Volta - The Widow

Siempre es agradable escuchar a una banda que intente revolucionar los postulados clásicos del rock, aunque tal revolución no tenga nada de singular, aunque sí de ecléctica, ambiciosa y compleja, ya que tanto en sus composiciones se escuchan resonancias del acid-rock californiano, del free jazz, de la psicodelia o del space-rock, como del funk, del post-rock y sobre todo, del rock progresivo tamizado con sensibilidades emo-rock, con influencias diversas como Pink Floyd, Rush, Voivod, Yes, Led Zeppelin, Jane’s Addiction, Santana o King Crimson. Mars Volta es el proyecto del cantante Cedric Bixler Zavala y del guitarrista Omar Rodriguez, dos antiguos componentes del grupo independiente At The Drive-In. Los dos muchachos eran procedentes de la localidad del Paso, en Texas. Después de largarse a California y tras formar el grupo citado la pareja decidió crear en el año 2001 DeFacto, un proyecto progresivo en el cual volcar sus ansias experimentales con la ayuda de los teclistas Ikey Owens y Jeremy Michael Ward. Este cuarteto se vió añadido con Eva Gardner al bajo y Jon Philip Theodore a la batería para formar The Mars Volta. El grupo, producido por Alex Newport, debutaría en disco en el sello de Omar Rodriguez, Gold Standard, con la publicación del EP “Tremulant” (2002). Junto a sus temas en estudio Mars Volta comenzó a llamar la atención por sus agitadas interpretaciones en vivo, llevadas a cabo tanto en los Estados Unidos como en Europa y Japón. Después de estas giras Eva y Ikey dejaron el grupo, siendo reemplazados por el bajista Ralph Jasson y la teclista Linda Good, antes del regreso a la formación de Ikey. Jasson sería sustitutido posteriormente por Jason Lader y éste por Juan Alderete. Ward, el “manipulador del sonido” del grupo, fallecería en mayo del año 2003 a causa de una sobredosis. El afamado productor Rick Rubin se interesó por el grupo y les propuso grabar un LP, “De Louse in the Comatorium” (2003), el cual contaba con la aparición estelar de dos miembros de Red Hot Chili Peppers, el bajista Flea y el guitarrista John Frusciante. Este disco de rock progresivo y space rock fue continuado por otro álbum de similares características, "Frances the mute" (2005).

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Green Day - Warning

Se forma en la localidad de Berkeley, California, en 1989. Una vez pasada la fiebre de bandas alternativas post-Nirvana y rota la dominación del sonido pop en las listas de ventas, podemos decir que Green Day es la segunda banda que más a influenciado en la música, siguiendo muy de cerca a Pearl Jam. Lo que Green Day consiguió fue el revivir el sonido punk, con canciones cargadas de energía y velocidad, y realizadas con tres simples acordes. Aunque su música no era particularmente innovadora, trajeron el sonido del punk de finales de los 70’ a una nueva generación gracias a “Dookie”, su primer trabajo para una multinacional que se editó en 1994. Los de Green Day se quedaron alucinando cuando “Dookie” vendió más de ocho millones de copias, y su continuación “Insomniac” tres millones. Pero lo importante no es que vendieran tantos millones de discos, sino que influenciaron a todo un elenco de bandas y abrieron las puestas a toda una inundación de neopunk americano, punk metal, y a una tercera oleada de ska. Green Day se cultivó en la California septentrional, en medio de la escena underground del punk. Los amigos desde la niñez Billie Joe Armstrong (guitarra, vocal) y Mike Dirnt (bajo; de nombre original Mike Pritchard) forman su primera banda, Sweet children, en Rodeo, California con tan solo 14 años de edad. Hacia 1989, el grupo se ve aumentado con la entrada del baterista Al Sobrante y decide cambiar su nombre por le de Green Day. Ese mismo año, la banda edita con un sello independiente su primer EP, “1.000 Hours”, que fue bien recibido en la escena punk hardcore de California. Muy pronto, el grupo firma un contrato con el sello independiente local, Lookout, y Sobrante es reemplazado con John Kiftmeyer. “39/Smooth”, sería el primer álbum de los de Berkeley, y se edita en 1990. Poco después la banda vuelve a cambiar de baterista siendo Tre Cool (de nombre original Frank Edwin Wright III) el elegido. A principios de 1990, Green Day continua sembrando fans, convirtiéndose en banda de culto, título que ganó fuerza con la edición de su segundo álbum en 1992 titulado “Kerplunk”. El éxito underground de “Kerplunk” hace que las multinacionales comiencen a fijarse en el trío con lo que Green day decide firmar para Reprise.

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The White Stripes

The White Stripes - Fell In Love With A Girl

The White Stripes es un duo formado en Detroit (USA) en 1997, compuesto por Jack White (de nombre real John, voz y guitarra) y Meg White (percusión). En ese mismo año editaron su primer single 'Let's Shake Hands' en Italy Records, con quienes editarían un single más, 'Lafayette Blues'. Poco después ficharon por la discográfica independiente Sympathy For The Record Industry, sacando 'The Big Three Killed My Baby' como primer single en este sello y como adelanto de su disco de debur, 'The White Stripes' en 1999, mezclando temas propios con versiones de Bob Dylan y Robert Johnson. Este primer disco pasó desapercibido, el grupo debería esperar a su segundo álbum para empezar a hacerse hueco en la escena musical. Con "De Stijl" (2000), nombre que viene de un movimiento alemán de arte, consiguieron llamar la atención de los críticos locales, pero el éxito a nivel internacional no llegaría hasta la edición de su último disco por ahora, "White Blood Cells" (2001). Con The White Stripes pasó un fenómeno similar al de The Strokes: obtendrían sus mayores éxitos fuera de su país natal, concretamente en el Reino Unido. Pronto los medios británicos, ya fueran musicales o no, se hicieron eco de la originalidad del grupo en sus composiciones y en su puesta en escena, siempre con una estética roja y blanca.

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